Esta campaña de El Corte Inglés es una de las más acertadas en cuanto a su relación con el arte. Vemos una clara referencia al cuadro de Las Meninas. Siguiendo el modelo de Velázquez, se ha sustituido el estudio del pintor, por el estudio de un fotógrafo. Y en lugar de representar a la corte, podemos intuir que el fotógrafo está trabajando junto con su grupo de modelos. Se intenta plasmar además algunas prendas de la marca, manteniendo la misma línea de ropa propia del siglo XVII.
El título del cartel “Bienvenido donde la moda es arte” es muy original, y establece esa relación entre la moda que se anuncia y el arte presente en la obra de Velázquez.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 09/01/2011 16:37 | Comentarios (3)
¿Quién no conoce "El David" de Miguel Angel? Noporque lo hayanos dado en clase si no porque es una de las esculturas más conocidas de la historia del arte, y como tal le ha tocado sufrir diversos cambios y disfrazarse para realizar diferentes campañas publicitarias.
Aqui encontramos una campaña en la que nuestra querida escultura esta desgustando un Ferrero Rocher. La verdad es que el efecto esta bastante bien logrado, ¿pero la mirada del David no refleja como que no le gusta el bombon?
Esta campaña muestra al David promocionando como a la compañia de comida rápida McDonalds, la verdad es que esta compañia escoge grandes obras, las customiza y crean una cmapaña publicitaria, bastante original
Y por ultimo mostrar la escultura, totalmente cmabiada, perdiendo su cuerpo marcado y musculado, todo esto para promocionar el deporte y que viene acmpoñado del mensaje "If you don't move, you get fat".
La verdad es que viendo las transformaciones que sufre esta escultura de marmol, para adaptarse a las diferentes exigencias que imponen las compañias que requieren de su imagen, no podemos decir que no se realice un buen trabajo de customización
Eso si siempre me quedare con el original, por graciosas que resulten las diversas campañas.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 09/01/2011 13:31 | Comentarios (1)
Si haces el Camino de Santiago es imposible quedarte con una sola imagen. Por eso he querido hacer una nueva entrada al blog para dedicarla no a los paisajes, la montaña o la costa, sino a los pequeños detalles que se te pueden pasar por alto. Una flor o incluso una seta pueden convertirse en una gran fotografía.
Aquí otro ejemplo de que el Camino está lleno de encantos:
A apenas cinco metros de distancia hicimos una vuelta a un lado y vimos una escena muy sensible; una yegua amamantando a su cría y permaneciendo impasible mientras nos observa. Además de paisajes espectaculares, en el Camino también hay cabida para la ternura.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 09/01/2011 01:38 | Comentarios (2)
Estas navidades he pasado unos días en Madrid. No he perdido la ocasión de volver al Museo del Prado.
El origen del actual Museo Nacional del Prado, lo podemos fechar en 1785, cuando el arquitecto Juan de Villanueva lo diseñó por orden de Carlos III, quien deseaba albergar el Real Gabinete de Historia Natural. Posteriormente, Fernando VII, lo convirtió en el Real Museo de Pinturas y Esculturas, para después llamarse Museo Nacional del Prado, tal y como lo conocemos hoy en día.
Se inauguró el 19 de noviembre de 1819, con la expectativa de dar a conocer al mundo que en España había una escuela que podía ser tan importante como cualquiera otra de cualquier otro país europeo, además de mostrar las obras propiedad de la corona.
La superficie del museo es de alrededor de 45.000 m2, siendo la colección de aproximadamente 7.600 pinturas, 1.000 esculturas, 4.800 estampas y 8.200 dibujos, además de otros documentos históricos y objetos de arte decorativos. No todas estas obras están en la exposición, ya que en la actualidad, solamente se muestran unas 1.000. El resto se encuentran en el llamado “Prado disperso”, es decir, se encuentran en depósito temporal en otros museos e instituciones oficiales. También hay obras que se conservan en los almacenes de El Prado.
Debido a la magnitud de las colecciones expuestas y la dificultad para decidir qué ver; el Museo del Prado propone a sus visitantes tres recorridos para conocer sus obras maestras.
Según el tiempo con el que se cuente para realizar la visita, se han seleccionado 15, 30 y 50 piezas que recorren los nombres de los pintores más destacados, además de obras excepcionales de orfebrería y escultura de los fondos del Museo.
Una vez que estás dentro del museo, te apetecería recorrerlo todo, pero es imposible hacerlo en un solo día, así que a la hora de elegir, y dado el tiempo de que disponía, elegí el recorrido de las 30 obras.
Entre otras pudimos disfrutar de:
- El Greco: “El caballero de la mano en el pecho”.
- Velázquez: “Las Meninas”
- Francisco de Goya: “La maja desnuda”
- Francisco de Goya:”Los fusilamientos del tres de mayo de 1808”
- Fra Angélico: “La Anunciación”
- Pedro Pablo Rubens: “Las tres Gracias”
- Rafael: “El cardenal”
- Caravaggio: “David vencedor de Goliat”
- Tintoretto: “El lavatorio”
- Bartolomé Murillo: “El sueño del patricio Juan”
Las obras que más me gustaron fueron “Las Meninas” y “Los fusilamientos del tres de mayo de 1808”. En “Las Meninas” me llamó la atención en que parece que Velázquez haya detenido el tiempo como si fuera una cámara de fotos. Me pareció una composición muy original, en donde la infanta Margarita está rodeada de dos cortesanas junto con dos enanos que juegan con un perro y dos adultos que parecen que estén pasado fugazmente por la escena en tanto que Velázquez como autorretrato está pintando la escena y los padres de Doña Margarita están contemplando cómo suceden los hechos viéndose reflejados en un espejo en el fondo de la habitación. Y toda esta disposición de personajes está dispuesto de una manera armónica. No me extraña que fuera elegido por el rey Felipe IV para sus aposentos reales.
Completamente distinto es el cuadro de “Los fusilamientos del tres de mayo de 1808” de Goya y las sensaciones que trasmite. El cuadro visto en los libros es muy impresionante, pero visto en persona me pareció aún más. Me encantó por el realismo y dramatismo que trasmite la obra representado por la cara de los que van a ser fusilados. El cuadro trasmite una gran fuerza, propia del hecho trágico de los fusilamientos.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/01/2011 23:09 | Comentarios (1)
Con esta entrada cierro el ciclo de fotografías, en esta ocasión voy a hacer un breve reportaje fotografico sobre Peñiscola, centrandome en su castillo y en las maravillosas vistas que tenemos desde esa altura.
El año pasado acudi a Peñiscola, para realizar un trabajo que todos los miembros de este blog conocemos muy bien... Las fotografias que os dejo a continuación dejan muestran como el pasado y el presente se aunan y conviven pegados a la orilla del mar Mediterraneo.
Y aqui os dejo algunas vistas desde lop mas alto de la mas alta torre del castillo, la primera la he puesto por el angulo desde el que se ha obtenido, ya q parece que da la sensación de que se esta girando la costa y la otra porque me gusta mcho el juego de luces que se da en la torre, la oscuridad de las ventanas con la luminosidad exterior.
Esta foto me gusta, pese a ser sencilla creo que la textura que se muestra de la piedra, con el brillo que posee y el fondo desenfocado la convierten en una imagen interesante y por ello os la muestro a continuación:
Y aqui os dejo las dos imagenes que mas me gustan de este minirepotaje, una muestra esta tomada al mediodia y la otra al atardecer, no tienen nada que ver la una con la otra, pero ambas me gustan por igual.
De esta primera destacaría sobre todo la mancha negra que se destaca en la vegetacion de los jardines del castillos y la tranquilidad que muesta, quien pudiera desconectar, darse un paseo por la orilla y olvidar todo ¿no?
Y de esta imgaen destacaría las tonalidades del mar con el reflejo del sol y su inmensidad, las sombras que las personas proyectan, el brillo de la cupula... la verdad es que esta imagen me gusta en especial.
Espero que os haya gustada esta entrada, y que no veamos a Peñiscola como aquella ciudad que contiene el auditorio que tantos quebraderos de cabeza nos dio.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/01/2011 21:35 | Comentarios (2)
TIME SPECIFIC / DAN PERJOVSCHI KNOWLEDGE MUSEUM / LIA PERJOVSCHI
El pasado mes de Diciembre tuve la oportunidad de visitar una de las exposiciones más interesantes del EACC. El Espai d’art Contemporani de Castelló ha invitado a los artistas Dan y Lia Perjovschi a realizar un proyecto para el Centro y su contexto. Se trata del primer proyecto específico que estos artistas presentan en España. Lo cierto es que la obra parece impactante desde un principio, la performance sorprende desde que entras por la puerta de la exposición. He visitado otras exposiciones muy interesantes en este museo durante muchos años, pero lo cierto es que esta ha sido una de las más interesantes. Además, me parece muy interesante el hecho de que sea una exposición única en el mundo, realizada exclusivamente pensando en este espacio, en esta ciudad y en este momento. Creo que esto es lo más interesante de la obra, lo efímero, lo cierto es que es muy interesante, y aunque ya no podais visitarla, puesto que cerró sus puertas el pasado mes de Diciembre (el 26), espero que os guste mi comentario (con textos extraidos de la página web del museo, así como del folleto informativo). Las imágenes que hay en el comentario son todas de la pagina web ya que no se podían realizar fotografías.
La obra de Dan y Lia Perjovschi es única en el desarrollo del arte experimental en la Europa del Este desde los años ochenta. Ambos artistas fraguaron formas únicas y desafiantes de expresión visual en el dibujo, la performance, la instalación y las prácticas conceptuales, así como en el análisis y el uso de medios masivos de comunciación, especialmente televisión y presa escrita. Su obra maduró bajo la doble presión del socialismo y del globalismo, dividiéndose en dos fases mutuamente realzadas: la primera caracterizada por una obra más privada e íntima antes de la revolución rumana, y la segunda por un arte público dirigido a preocupaciones mundiales.
Los Perjovschi nacieron ambos en 1961 en Sibiu, ciudad situada en el centro geográfico de Rumanía. Se conocieron de niños en escuelas para la formación de artistas y posteriormente se unieron sentimentalmente. Se graduaron en 1980 y Dan ingresó en la Academia de Arte de Iasi en la franja este de Rumanía. Entre 1980 y 1985, Lia permaneció en Sibiu trabajando en fábricas mientras se presentaba a los exámenes anuales calificadores para las academias de arte rumanas. Fue suspendida repetidamente, en parte como castigo por su comportamiento anti autoritario y en parte por el sistema de favoritismo bajo el sistema totalitario. Finalmente en 1987, ingresó en la Academia de Arte de Bucarest.
La revolución rumana empezó el 16 de diciembre de 1989 en Timisoara al Oeste de Rumanía y el 20 de diciembre se había extendido ya a otras ciudades. El dictador Nicolae Ceausescu y su mujer Elena fueron ejecutados por un pelotón de fusilamiento el día de Navidad en 1989. Dan se trasladó a Bucarest y Lia se graduó en la academia en 1993. Durante los noventa, los Perjovschi incrementaron su prominencia en Rumanía y en el extranjero.
La reputación de Dan en Rumanía empezó con los dibujos y dibujos animados políticos que creó desde 1991 para la Revista 22, el periódico líder de la resistencia rumana, fundado por el Grupo de Diálogo Social al que él pertenece. Hoy es conocido en todo el mundo por sus instalaciones de dibujos a gran escala, utilizando la psicología de la risa para comentar las condiciones sociales, políticas y culturales desde los temas locales y nacionales a los globales. Lia ha sido reconocida como una de las artistas destacadas de la performance en Rumanía y fue también conocida por sus objetos inusuales. Desde principios de los noventa, se ha ido centrando gradualmente más en proyectos conceptuales como Timelines, Mind Maps y Knowledge Museum, que hacen un seguimiento de eventos e ideas históricas e intelectuales, y en colecciones, tales como la Blobe Collection, que opina sobre los medios de comunicación y el consumo. Por otra parte, la obra de Dan y Lia Perjovschi está profundamente enraizada en la performance. Este proyecto expositivo está acompañado por un vídeo documental de unos 60 minutos de duración que recoge las performances desarrolladas por estos artistas desde 1987 al 2007.
Se incluyen obras seminales como por ejemplo la performance de Lia I Am Fighting For My Right to Be Different, en la que la artista interactúa con una muñeca de tamaño natural, manipulándola para reflejar su propio lenguaje corporal. Este trabajo enlaza con temas que la artista utiliza una y otra vez en su propia obra.
La documentación de las performances de Dan son igualmente resonantes y también presagian su trabajo más actual. Uno de los vídeos muestra una serie a gran escala de dibujos a carboncillo realizados sobre una pared donde el artista utiliza su recurrente cuadrícula de dibujos de personajes. Los miembros del público hacen turnos para borrar secciones de la cuadrícula, mientras Dan intenta restituir las figuras “desaparecidas” redibujándolas.
Durante casi treinta años, Dan y Lia Perjovschi han hecho un arte que es fiel a la historia de su país y a sí mismos. Han producido obras muy diferentes y, como el compuesto DanLia, han iluminado el significado de las mismas del uno al otro. También han colaborado en nombre de otros artistas de la sociedad rumana y han tratando de hacer a través del arte que los asuntos globales sean más transparentes.
Su trabajo -cargado estética y políticamente- ayuda a los espectadores a pensar, sentir y sonreír, una combinación que es vital en el entorno político y cultural donde las cuestiones de libertad y autonomía, la construcción del conocimiento y la necesidad de confrontar la experiencia actual con la sencillez, son cada vez más exigentes. El arte de Dan y Lia Perjovschi trata sobre la crisis, el cambio y la entereza que se alcanza más allá de lo personal para involucrarse con el mundo e inspirar a los espectadores a vivir con coraje.
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/01/2011 19:23 | Comentarios (1)
Os traigo la primera entrega de fotografía. Son imágenes de Formentera, del viaje que realicé con mis amigas el pasado verano. Las fotografías hablan por sí solas, pero quería remarcar la belleza de las playas vírgenes. El agua de Formentera tiene otro color. Es increíble, pero para comprobarlo os invito a visitarla, porque nada mejor como verla en persona. Esta primera imagen es de la playa de Es Caló.
Esta otra imagen es del atardecer. Todos los días, la gente se reúne en la playa para compartir un momento de tranquilidad con amigos mientras disfrutan de las maravillosas vistas. Lo que me gusta de esta foto es que muestra el ambiente entre la gente, los barcos, el sol, la playa…
Por último, y quizás de las cosas más típicas de Formentera son sus faros. Esta imagen concretamente es del Cap de Barbària.
En fin, me quedé enamorada de Formentera, no descarto en volver este verano. Creedme, es una experiencia increíble.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 18:23 | Comentarios (2)
Pedro Pablo Rubens fue el pintor más admirado de su época en Europa debido a que se convirtió en uno de los grandes genios del Barroco. Sirvió de ejemplo a innumerables artistas, entre ellos el español Velázquez. Su pintura es propia de la escuela flamenca y su estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Tiene gran mérito la forma en que ha sabido transmitir el valor de exaltación de la vida. Rubens es autor de una obra muy abundante y actualmente se conservan alrededor de mil quinientos cuadros suyos, que realizó en su taller de Amberes.
En la actualidad, el Museo del Prado posee la mayor colección de cuadros de Rubens que existe en el mundo (alrededor de unos noventa). Aprovechando la remodelación de una de las colecciones del Museo, va a tener lugar durante algo más de dos meses una exposición dedicada a los cuadros de Rubens. Aprovechando mi estancia en Madrid, no quise desaprovechar la oportunidad y decidí conocer algo acerca de su obra.
Los cuadros están instalados de forma especial, intentando llamar la atención del público hacia ellos. El montaje de la exposición queda dividido en dos grandes salas, lo que permite apreciar la evolución del estilo de Rubens.
En la primera sala se puede conocer al artista más temprano. Y una segunda sala, donde están presentes las obras de la última etapa de su carrera.
En las obras que se exponen en el Museo, se refleja la gran versatilidad temática del pintor con pinturas de temas mitológicos, religiosos, de historia, retratos y paisajes.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 18:06 | Comentarios (1)
La publicidad llega hasta extremos insospechados. La marca de coches Mini ha usado un recurso que no pasa nada desapercibido.
Se han encargado de dejar en la calle al lado de los contenedores de basura cajas de cartón en el que aparece el dibujo del coche con papel de envolver y una lazada, como si de un regalo recién abierto se tratara. La publicidad de este coche se centra en hacer llegar el mensaje de su reducido tamaño y que cabe en cualquier parte. Me juego el tipo a que más de uno miró dentro de la caja.
Siguiendo la misma línea de publicidad, os presento otra campaña en la que una mujer haciendo autostop necesita agacharse para adaptarse al tamaño del coche.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 17:58 | Comentarios (1)
Únicamente haciendo uso de un soporte oscuro que va girando, un poco de pintura y dos pinceles o simplemente las manos. Resulta muy divertido de ver porque va pintando al ritmo de la música. Vale la pena mirarlo hasta el final para comprobar el resultado.
Puede parecer sencillo, pero sólo pensad lo difícil que es pintar desde tan cerca a tan gran escala ¡¡y encima con el lienzo del revés!! Espero que os guste.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 17:56 | Comentarios (1)
Como ya he dicho en anteriores entradas, en el viaje a la capital no quisimos perdernos nada y estuvimos recorriendo la ciudad a pesar del tiempo, que no acompañó.
Esta es una simpática foto fue tomada desde una pequeña cubierta donde nos resguardamos de la lluvia. Me recuerda a la paleta de un pintor, a través de la cual se ve el edificio por detrás.
Esta otra por ejemplo es una foto del mismo edificio que se ve reflejado en el cristal, creando un efecto de simetría.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 17:39 | Comentarios (1)
Esta fotografía es del viaje a París. Me encanta el efecto óptico de la Torre Eiffel al fondo como desenfocada, y que parece un juguete al lado del semáforo.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 17:24 | Comentarios (2)
Quería referirme a una exposición que tuvo lugar en Valencia el pasado año. Seguramente muchos de vosotros la visitasteis porque fue una gran oportunidad para conocer y ver un poco más de cerca la obra de Sorolla.
La Obra Social Bancaja hizo posible al público admirar la los paneles regionales que el artista valenciano pintó para la Hispanic Society of America antes de su regreso a Nueva York.
Sin duda me sorprendió muy positivamente la exposición. Se trataba de catorce cuadros de grandes dimensiones. Sinceramente no los imaginaba tan grandes.En la siguiente fotografía se puede apreciar el tamaño real de los lienzos.
Personalmente, los que más me gustaron fueron los siguientes.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 16:48 | Comentarios (5)
Esta colección del IVAM es muy variada. Incluye obras ejecutadas a pluma, lápiz y pincel, a la acuarela, al pastel, con collage o mediante diversos procesos gráficos; pero todas ellas con una característica en común: el uso del papel como soporte.
Se dice que toda la arquitectura empieza sobre el papel, por lo que esta exposición me aportó cierto interés. Si echamos la vista atrás, podemos comprobar que todos los dibujos preparatorios y bocetos se trazan en el papel, y que no es hasta el siglo XIX cuando las obras sobre papel empiezan a ser consideradas como piezas de arte acabadas.
La colección del IVAM se centra especialmente en obras sobre papel de escultores, partiendo desde Julio González hasta llegar a trabajos de modernistas tempranos como Moholy-Nagy, Lipchitz, y Calder, así como de la vanguardia de posguerra, con Chillida, Cardells, Oldenburg, Smithson y Bruce Nauman.
En esta selección de obras además se incluyen representaciones de artistas abstractos y figurativos, cubistas, dadaístas o artistas pop, mostrándonos las innumerables posibilidades y técnicas sobre el papel.
Aprovecho para decir que si alguien está interesado en la exposición deberá darse prisa, pues acaba este próximo lunes 10 de enero.
Miquel Navarro
Dennis Oppenheim
Josep Renau Berenguer
Julio González
Pablo Picasso
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 16:03 | Comentarios (1)
Seguramente hayáis podido ver en otras ocasiones esta forma de crear formas y figuras. Es una técnica que imita a las sombras chinescas que todos conocemos ¿Quién no ha tratado alguna vez de hacer figuritas de animales en la pared con las manos y una fuente de luz? Algunos con más éxito que otros, claro está. A mí nunca se me ha dado del todo bien, por eso me ha gustado ver cómo hay gente con ingenio y talento que usa no las manos, sino basura y chatarra que no utiliza para convertirlo en esculturas que a simple vista no dicen nada, pero que al proyectarlas sobre la pared se convierten en verdaderas siluetas.
Sin duda, un arte singular, original y con mentalidad de reciclaje. Muy buena iniciativa, para mi gusto.
He encontrado también este vídeo que me ha gustado porque una de las siluetas proyectadas es una imitación del David de Miguel Ángel. Aquí lo tenéis.
La artista japonesa Kumi Yamashita, por medio de la manipulación de luces, consigue crear sombras e inesperadas formas en la pared con los objetos y materiales más insospechados. El secreto está en el ángulo y en la disposición que emplea la luz formando increíbles sombras.
No he tenido la oportunidad de disfrutar de ninguna exposición suya, pero no dudo en asistir a la primera que tenga al alcance. Considero que tiene una forma muy original de hacer arte. Hay escultores, como es el caso de Kumi Yamashita que trabajan con un elemento inmaterial, que carece de peso, volumen o textura. Ese elemento es la luz.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 12:40 | Comentarios (1)
Hans-Peter Feldmann es un artista visual alemán. Desde finales de los años 60 hasta hoy es una reconocida figura del movimiento conocido como arte conceptual y ha llevado a cabo muchos libros artísticos en diferentes formatos.
Feldmann utiliza como medio expresivo el orden alusivo de imágenes y la presentación de las mismas de diversas formas, ya sea fotográfica, artística, postales, objetos privados…
Este artista creció y se crió en el amiente de la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él, las escasas imágenes que encuentra a su alrededor suponen ventanas a otros mundos. Fascinado, empezó desde pequeño y hasta hoy, a coleccionarlas, recortarlas y pegarlas en álbumes. A Hans-Peter Feldmann no le interesan las imágenes individuales sino sólo aquello que la serie, la agrupación y el colectivo son capaces de facilitar.
El contexto que inspira a Hans-Peter Feldmann es la vida ordinaria. De ahí extrae sus propios temas y materiales empleados. Busca la cotidianidad.
A lo largo de diversas exposiciones que ha realizado por Europa, muestra distintas series. Algunas de ellas son “Todas las ropas de una mujer” en la que expone setenta piezas modestas de ropa femenina, una a una; o la serie “Radios de coche mientras suena buena música”, en la que presenta fotos de radios de coche. Lo que hace Feldmann es poner a nuestra disposición un conjunto de imágenes u objetos y se mantiene emocionalmente a distancia. Únicamente se limita a mostrarnos algo que ha encontrado, esperando que nosotros lo carguemos de sentido, lo hagamos nuestro.
La última de sus exposiciones ha sido en el Museo Reina Sofía de Madrid. Me llamó la atención el cartel que anunciaba la exposición (se trataba del David de Miguel Ángel con colores bastantes llamativos) así que tuve la oportunidad de visitarla y realmente no me ha dejado indiferente. Su última instalación, Shadow Play. Al entrar en el espacio se ve en la pared del fondo sombras que se acercan y se alejan. Justo delante, encontramos unas mesas giratorias llenas de muñecos y objetos que son iluminados por detrás, creando las sombras. El artista señala que en nuestros cerebros se produce algo completamente nuevo mediante una sombra chinesca. Estas sombras nos transportan a la infancia donde cualquier imagen podía ser una ventana a otro mundo. Para Feldmann el arte dice, “es un evento, una impresión, una sensación, y más. Nunca es el objeto en sí”.
Algunas imágenes de la exposición
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/01/2011 12:28 | Comentarios (1)
Esta entrada relacionada con el arte y la publicidad muestra un anuncio de una marca de colonia inspirado claramente en la obra de Tamara de Lempicka.
Como se puede ver en la imagen, se mezcla la realidad con la pintura, de una manera muy elegante y creativa, en este anuncio yo resaltaría la intención que tiene el anunción cuya función es resaltar la feminidad de la colonía, creo que es anuncio interesante, original y llamativo, aunque la verdad no me suena haberlo visto nunca...
Aqui os dejo una muestra de dos obras de la artista para que veais las similitudes con la campaña publicitaria.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 06/01/2011 20:59 | Comentarios (2)
Esta foto ha sido encontrada a la vez que la anterior, recopilando fotos, esta vez de mi breve, aunque impresionante visita a la Torre Eiffel.
La verdad es que este monumento es una maravilla, lo tiene todo: belleza, elegancia y sobre todo altura, mucha altura. Para mi gusto es uno de los grandes edificios de la arquitectura y el icono más importante de la ciudad de París, lo que ya de por si es mucho, teniendo en cuenta las maravillas que alberga esta ciudad.
Esta foto la he escogido sobre todo por el punto de vista desde el que ha sido tomada, me gusta mucho, ya que en ella se observa el cambio de inclinación que realiza la torre hasta alcanzar la cima y tambien podemos ver el amasijo de hierros y la localización del ascensor en su interior, es una de mis fotos favoritas del viaje y creo que os puede interesar. Aqui os la dejo para que la disfruteis, o eso espero.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 06/01/2011 20:30 | Comentarios (1)
El titulo de esta entrada se debe al hecho de que esta fotografia ha sido encontrada por casualidad, mientras intentaba recopilar algunas fotos de mi viaje a París con el instituto. Esta foto pertenece al reloj del Museo D'Orsay visto desde el interior, la verdad es que creo que este es un museo espectacular, tanto por lo que alberga como por el edificio en si. Me parece que este museo debido al impresionante Louvre, es un tanto desconocido, pero la verdad es que posee una colección muy interesante.
Espero que os haya gustado la imagen escogida.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 20:58 | Comentarios (2)
Esta vez toca una entrada de publicidad, el arte afecta a a las campañas y las compañias aprovechan las obras de arte conocidas para poder promocionarse y venderse a las masas.
A continuación os muestro una campaña realizada por McDonlads, en la que se usa la conocidisima foto de Rosenthal en Iwo Jima.
¿Cúal creeis que es la intención de esta campaña? ¿Mostrar la conquista que esta realizando McDonalds de las cadenas de comida rápida? Yo creo que si, que muestra la conquista de esta compañia de dentro de este campo.
Ademas de McDonalds, otro tipo de productos han empleado esta imagen como promoción, como la pelicula de Clint Eastwood "Banderas de nuestro padres", en la que se cuenta la historia de la guerra y las consecuencias en la nación y en las familias que esta provoco.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 20:40 | Comentarios (2)
Muy interesante es el vídeo que os presento a continuación en el que se hace un repaso y nos permite recorrer, mediante la técnica del morphing, una serie de pinturas donde aparecen rostros de mujeres. Podemos observar cómo los estereotipos de belleza van cambiando a lo largo de los años.
Os reto también a que identifiquéis los rostros de las mujeres con los cuadros a los que pertenecen o los artistas responsables de tales pinturas.
Una vez más, la marca alemana de coches logra llegar al público a través de sus originales anuncios. Esta vez, se trata del nuevo modelo de New Beetle. Jugando con el nombre y el grupo musical más famoso de todos los tiempos, Volkswagen apuesta por lanzar su campaña publicitaria reinterpretando la conocidísima portada del disco de los Beatles.
Realmente considero que es un extraordinario resultado, si además tenemos en cuenta la coincidencia temporal de ambos. Los Beatles estuvieron juntos entre 1957 y 1970, y el Beetle viene fabricándose desde 1938. Y es que con tan larga historia como tiene este coche, Volkswagen se puede permitir el lujo de crear este tipo de anuncios y que todos los entendamos.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 15:18 | Comentarios (2)
En 1949 y a raíz de unas fotografías de patinadores sobre hielo con luces en los patines, Pablo Picasso tuvo la inspiración de coger una linterna y hacer sus propias creaciones, quizás las más rápidas y efímeras en comparación con sus otros trabajos.
Esta técnica es conocida como light graffiti. Es parecida al graffiti, pero usando luz y ningún soporte físico, ya que el resultado sólo se puede visualizar a través de una fotografía. Ahora, esta técnica la podemos ver también en publicidad, como en el anuncio de Navidad de Telefónica. Sin duda, muy original; pero el gran innovador, Pablo Picasso.
Nuevos lugares para anunciarse: lo original son los pasos de peatones como soporte publicitario.
En ellos podemos ver desde la campaña contra el exceso de velocidad, hasta publicidad de productos como los chicles, un detergente o material de oficina.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 15:01 | Comentarios (2)
Por todos es sabido que los anuncios de coches son muy buenos en lo que a originalidad se refiere. Marcas como BMW, Volkswagen o Audi siempre nos sorprenden con canciones pegadizas y contenidos llamativos. Pero esta vez y bajo mi punto de vista, Honda se ha superado. La marca de coches nipona encargó a una prestigiosa firma la realización de un comercial que destacase el eslogan que los caracteriza “The power of dreams”.
El spot simula un efecto mariposa, en el que unas piezas van moviendo otras. Además, es sabido que no fue realizado por ordenador sino que fue grabado en 606 tomas distintas que se debieron hacer y rehacer hasta conseguir el efecto y calidad deseados. Las inversiones, más de tres meses de duro trabajo y varios millones de dólares; el resultado, simplemente increíble.
Las siguientes imágenes pertenecen al estudio de fotografía de Joan Garrigosa. Constituyen la publicidad de los productos de Migros, la cadena de supermercados más grande de Suiza.
Seguramente fueron sacadas a raíz de la fiebre por el mundial de fútbol el pasado mes de julio. Me han parecido graciosas y consideraba que sería interesante mostrarlas.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 14:02 | Comentarios (1)
El anuncio que presento es de la colección que Jean Paul Gaultier dedicó a Frida Khalo en 1998. Es un homenaje a la artista mejicana que creó un mito a través de su arte.
Tras sufrir una enfermedad y varios accidentes, la artista obtuvo el impulso que necesitaba para comenzar su obra. Frida era la protagonista de su propia obra, por lo que llegó a crear una leyenda alrededor de su propia persona. En la serie de autorretratos expresará los acontecimientos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos.
"Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad"
Me ha dejado impresionada el verismo y dureza con que expresa los hechos de su vida. Quizás el arte para ella era una forma de superación.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 13:50 | Comentarios (2)
El siguiente anuncio de Rimmel es claro y contundente. El mensaje es bastante sencillo de entender. Las manchas de las paredes provocadas por la pérdida de color de las ventanas se comparan con dos ojos pintados con mancha de Rimmel. El producto que se anuncia precisamente es el Rimmel waterproof o resistente al agua. Lo genial de estas fotos es ese juego, el hecho de que con este rimmel no te pasará lo que está fotografiado.
Al menos si lo llevamos puesto, ya no haremos la típica pregunta, ¿Se me ha corrido el Rimmel?
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/01/2011 13:19 | Comentarios (3)
Siempre valoramos lo que tenemos fuera de nuestras ciudades, aquello que nos resulta nuevo e innovador se valora más siempre que se encuentre fuera de nuestras fronteras, todo el mundo valora la Torre Agbar en Barcelona, las CTBA de Madrid... Pero si nos damos un paseo por nuestras ciudades podemos encontrar diversos lugares y rincones que podremos fotografiar y guardar en nuestros recuerdos. Esto es lo que puede ocurrir en Valencia, si un dia decidimos viajer por la conocida Ciudad de las Artes y las Ciencias (CAC) podemos caminar por rincones y lugares únicos, se que mis últimas entradas se centran en exceso en la CAC pero es que viendo las últimas entradas del blog siempre se muestran otros lugares como Nueva York, Londre o Albacete.
¿Por qué no mostrar algo de mi ciudad que representa una buena, aunque discutible, muestra de arquitectura contemporanea? Pues aqui lo teneis, con un poco de paciencia y un poco de juego con el photoshop he conseguido las siguientes fotografías.
Y aqui os dejo dos pruebas de panorámicas que realice al final del dia.
Espero que os haya gustado el reportaje y no olvideis la oportunidad de disfrutar de este conjunto arquitectónico.
Un saludo
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 04/01/2011 00:16 | Comentarios (3)
Os dejo también un par de fotografías que tomé en Alcaraz, un precioso pueblo en la sierra del sur de Albacete en la frontera con Jaén y que os recomiendo a todos visitar. Un saludo y ¡ALBACETE TAMBIÉN EXISTE!
Siguiendo con el tema del arte en la publicidad he aquí el cuadro de "La Gioconda" o más conocida como "La Mona lisa" de Leonardo da Vinci. En este caso, una de las marcas más conocidas de productos para el pelo, "Pantene" ha hecho uso del cuadro y le ha facilitado a la señora un peinado mucho más favorecedor ¿verdad? En este caso la composición del cuadro apenas ha variado y el producto se anuncia con mucha discreción en un extremo del cuadro. Este es uno de los recursos más utilizados, en los que la obra original se ve alterada hasta cierto punto ya que cualquier cambio en una obra que todos tenemos tan grabada en nuestras retinas ya produce un gran impacto en nosotros. Aquí os dejo otro buen ejemplo:
¡Quién le iba a decir al David de Miguel Ángel que iba a vestirse con unos Levi's! En este caso la obra si que sufre cierta transformación ya que se oculta su parte inferior pero el resto permanece en su contexto original. La marca de pantalones en lugar de gastar miles de euros en pagar el cuerpo "perfecto" de un modelo ha decidido utilizar el de un modelo con un cuerpo igual de impresionante pero muchísimo mas económico, ¿qué os parece?
Hay otros casos, como el que vamos a ver a continuación, que utilizan una obra concreta y conocida, para hacer referencia a las características del artículo en cuestión:
En este caso la marca de coches "Toyota" utiliza al "Hombre de Vitrubio" de Leonardo para compararlo con las características de su modelo.
Y por último vamos a hacer referencia a otro ejemplo que sin duda es el que más han llevado al límite fabricando los botes de este champú haciendo referencia a las composiciones neoplásticas de Mondrian.
En definitiva, que una vez más el arte ha sido utilizado para impactar en el receptor y provocar que cuando nos pasemos por la tienda recordemos el anuncio que tanto nos había impresionado. En mi opinión es una buena forma tanto de venderse para los productos como de hacer llegar un poco de arte y cultura al espectador hoy que se carece tanto de ello en los medios de comunicación.
Comienzo mis entradas relacionadas con el tema de la fotografía con una instantánea realizada el día en el que fui a ver las exposiciones, la verdad es que tome bastantes imágenes interesantes, desde mi modesta opinión, pero es que este conjunto arquitectónico es muy fotogénico y uno no puede parar de fotografiar y probar diferentes lugares para conseguir captar la inmensidad del lugar.
Esta fotografía la he escogido por la relación del edificio con el agua, el reflejo que genera cierta confusión y porque me gusta la relación de tamaño entre las personas y los enormes pilares blancos.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 31/12/2010 00:55 | Comentarios (4)
Hace diez años comenzo uno de los proyectos más más importantes en la ciudad de Valencia, este proyecto consistía en la realización de un gran conjunto de edicios que abarcasen desde las más bellas artes hasta las más nuevas y modernas tecnologías. Todo esto le fue encargado al arquitecto valenciano, Santiago Calatrava, arquitecto generador de polémicas, adorado por unos y odiado por otros. Pero este no es el motivo de esta entrada.
El otro dia debido a la exposición de Ripolles me encontre por sorpresa con otra exposición al aire libre, mi intención era la de visitar unicamente la exposición del escultor castellonense.
Esta exposición de fotografía repasaba los 10 años que lleva en funcionamiento la CAC (Ciudad de las Artes y las Ciencias), mostrando tanto la belleza de su arquitectura como diferentes eventos que se han ido realizando en este conjunto.
Pudimos ver grandes fotos, todas ellas realizadas por el fotografo Javier Yaya Tur, fotografo oficial de la CAC y que consigue captar la esencia, la espectacularidad de los eventos en una instantanea, como si de un recuerdo eterno se tratase.
A continuación os dejo una serie de fotografias de la exposicíón, que ademas de destacar por la calidad de las fotografías, destaca por la historia que cuenta, la historia de 10 años de eventos y de crecimiento cultural y artistico de una ciudad.
A continuación os dejo la que posiblemente sea mi fotografía favorita, ya que muestra a la perfección el tipo de espectaculo que se realiza aprovechando ciertas ocasiones en las CAC, estos espactculos destacan por su luz, color, innovación y riesgo.
Os dejo un par de videos que muestran a la perfección a lo que me refiero cuando hablo de riesgo, innovación, luz y color, pertencen a una actuacion de la Fura de les Baus que realizaron en el exterior y en el interior simultaneamente, una delicia para todos los sentidos.
Su apariencia de místico postibicenco engaña. La indumentaria está vinculada a necesidades básicas y debajo hay un tipo pragmático que ha transformado la realidad adversa con ganas de vivir. Sus padres fueron analfabetos y su primer trabajo consistía en recoger boñigas por la calles y hierba para los conejos y las cabras. Consiguió los primeros lápices de colores Alpino a cambio de las manzanas y granadas que robó en los huertos, y en su casa empezaron a preocuparse al ver que pasaba más tiempo pintando que jugando. Tras trabajar como pintor de brocha gorda, huyó de Castellón a París sin dinero y logró abrirse una brecha en el difícil mundo artístico francés. Entonces sólo comía yogures con miel y cobraba 10.000 francos por cuadro. Pero estaba comprometido hasta la médula con la lucha antifranquista. De París saltó a Nueva York y volvió a España para luego refundar en Castellón un pueblo con nombre utópico, Mas de Flors, donde antes había una whiskería.
En Mas de Flors, Ripollés cultiva higos y tomates, pinta a la intemperie junto a dos asnos y proyecta su obra hacia Francia, Alemania, Bélgica, Holanda, Estados Unidos y Japón. Ahora es casi el pintor de cabecera de José María Aznar
Esta pareja de esculturas, colocadas al comienzo (o al final) se llaman "Tumbado" y "Tumbada", la verdad es que son bastante graciosas, pero sabeis a que me recuerda... si a Adam y Eva, la manzana en la cabeza de "Tumbada" nos dios que pensar a mis acompañantes y a mi.
En estas esculturas encontramos que todas ellas se caracterizan por las formas curvas y simplicidad. Una cosa que las caracterizas son las caras y expresiones, muy "repetidas" en todas ellas. Algo curioso es que las escultruas son diferentes segun desde donde se contemplan, ya que cada lado posee una cara con una expresión distinta.
Esta escultura es de las mas grandes y curiosas, es de las que mas me gusta, me parece de las mas originales y elaboradas, ademas de que tiene un gran volumen y esta colocada en el centro de la exposición lo que le da una mayor importancia.
La verdad es que a mi este artista no es que me agrade demasiado, me parece un tanto repetititvo y ver toda la exposición resulta monotono y además hay esculturas que son las mismas solo que unas pintadas y otras no, lo que da la sensación de... esto ya lo he visto, esto también lo que provoco es un poco de perdida de interes conforme avanzamos por el paseo. Si que hay que reconocer la atracción que sentían los niños por estas esculturas y como jugaban tratando de colocarse e imitando las posturas de las figuras. Pero como bien se dice, para gustos los colores, y nunca mejor dicho
Aunque esta no haya sido una exposición que me haya encantado, si que la veo recomendable, tanto por el emplazamiento como por los diferentes detalles curiosos que uno se va encontrando conforme avanza entre las figuras
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 29/12/2010 22:09 | Comentarios (3)
Creo que todos conocemos de sobra los característicos bigotes del magnífico Dalí. He decidido utilizar esta imagen como la ultima a la que hacer referéncia en el campo del arte y la publicidad ya que creo que con un simple gesto como puede ser poner dos bigotes a esta chica, podemos conseguir un impacto como este. El anuncio, que no se observa muy bien por la calidad de la imagen, es un reclamo para todos aquellos turistas de la costa Brava, y una invitación a visitar el maravilloso museo Dalí.
Genial anuncio!
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 29/12/2010 13:48 | Comentarios (2)
Hace tiempo, como ya he mencionado anteriormente en el blog, tuve la oportunidad maravillosa de visitar la Fundación PILAR Y JOAN MIRÓ en Palma de Mallorca, hemos hablado ya en otra ocasión de la maravillosa arquitectura del museo, por Rafael Moneo. En este caso, vamos a centrarnos en lo que es el museo en sí, en la exposición permanente “D’un roig encès” de Miró.
“El meu somni quan pugue establir-me a qualque part, és tenir un gran taller, no pas per raons d’il·luminació, llum de nord, etc., que me són indiferents, sino per tenir espai, moltes teles… Jo voldria provar-me amb l’escultura, amb la cerámica, amb el gravat, tenir una prensa. Provar també a anar mes enllà, en la mesura del possible, de la pintura de cavallet que, al meu parer es proposa un fi mesquí, i acostar-me, per la pintura, a les mases humanes en les que mai no he dixat de pensar.”
Joan Miró. Texto publicado en “XX Siècle”, mayo-junio 1938.
Después de esta magnífica reflexión del artista, tan solo queda comentar alguna de las obras de su exposición. Desde luego, Miró es un pintor que impacta. Desde el primer momento te sientes atraído por sus obras, son imaginativas, diferentes, raras (a veces) pero sobre todo, son obras de arte. Parece maravilloso pensar que existía un pintor de estas características en España y que tuviera que desarrollar la mayor parte de su obra en el extranjero…
En algunas de las obras, realicé fotografías (/peggyisthequeen, aquí se permitía, sin flash, por supuesto) a algunos detalles de las obras que me parecieron magníficos, los cuales podemos observar en las siguientes fotografías:
Pero, sin duda, hubo una obra que me impactó. “La Partie de pêche des amoureux” es una obra de 1965 que se realizó en óleo sobre tapiz con medidas de 150x200 cm y que pertenece a una colección particular.
Sin duda, lo que más impacta de este cuadro es la utilización del tapiz como base para el mismo. Es asombroso como a partir de una obra de arte como ya lo era este tapiz, el artista crea una segunda obra. Con esta obra, el artista funde su estilo con un estilo antigo, pero con el que no tiene porque estar reñido (véase el resultado). Lo cierto que esta obra me impactó muchísimo. Me parecío de una increíble imaginación la mezcla de estas técnicas, si observamos bien la pintura, incluso podríamos decir que es una pintura de ahora, ya que los brochazos realizados encima del tapiz, podrían confundirse perfectamente con un spray, con un graffity.
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 29/12/2010 11:01 | Comentarios (1)
Como ya os hablé hace unas semanas en el Museo Thyssen-Bornemisza hay una exposición dedicada a los jardines impresionistas a la cual hasta hoy no he podido acudir. Se trata de una exposición organizada por el Museo y la Fundación Caja Madrid en colaboración con la National Gallery of Scotland en Edimburgo.
Jardines impresionistas presenta un amplio recorrido por el tema del jardín en la pintura desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX.
A mediados del siglo XIX, la introducción de cientos de nuevas plantas y especies de flores exóticas procedentes de Asia, África y América, así como la apertura al público de los parques reales, estimularon en Francia y otros países europeos un gran movimiento hortícola. Diseñar y cultivar jardines se convirtió en una pasión a la que no fueron ajenos los pintores impresionistas, como Monet y Caillebotte.
La exposición comienza con una sección dedicada a los precursores del jardín impresionista. Me han fascinado la pintura de flores del romanticismo representada por Delacroix y los floreros de Bazille o Renoir. Frente a estos “jardines de interior” otros pintores como Millet, Corot y Daubigny se abrieron al aire libre y exploraron el jardín como paisaje siendo precedentes inmediatos de la pintura impresionista francesa.
El jardín aparece como un punto de encuentro entre lo urbano y lo rural siendo una isla de naturaleza en medio de la ciudad. Manet y los impresionistas descubrieron en los parques parisinos los atractivos combinados de la vida moderna y el aire libre.
Monet y Pissarro, Morisot y Sargent nos revelan los parques de París y otras ciudades como escenarios de una intensa vida social donde conviven y disfrutan las diversas clases sociales. En el jardín privado, por otra parte, los mismos pintores plasman el ámbito de la intimidad y lo personal.
Las dos últimas salas de la exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza se centran en la dedicación de Pissarro al tema del huerto, con especial énfasis en la figura del campesino. Algunos artistas que recibieron las lecciones de Pissarro o experimentaron su influencia, como Cézanne, Gauguin o Van Gogh, están también representados aquí.
Posteriormente la exposición continua en la Fundación Caja Madrid con la metamorfosis del jardín en la transición del postimpresionismo a las primeras vanguardias a la cual después de toda la mañana nos ha sido imposible acudir. Os recomiendo a todos que si vais a Madrid y estáis cerca de la zona del Prado os acerquéis a ver esta exposición única y que solo durará hasta febrero de 2011.
Mientras se celebraba el Mundial de fútbol en Alemania, hubo mucho merchandising y macropublicidad de varias marcas deportivas; dentro de de aquellas espectaculares acciones publicitarias, Adidas recreó en la estación central de Colonia un fresco de 800 metros cuadrados que rememora la capilla Sixtina pero que toma como personajes a los más destacados jugadores de fútbol del momento.
La idea fue puesta en marcha por TBWA Alemania en colaboración con Carat Media Services y la empresa de publicidad en estaciones Deutschen Eisenbahn-Reklame, y creo que para todos aquellos que pasasen por Colonia aquellos días, fue un atractivo que merecía la pena ser contemplado y admirado por todos aquellos que tuviesen la oportunidad.
Me parece una forma muy curiosa, original y llamativa de reclamar la atención de la gente.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 28/12/2010 18:48 | Comentarios (1)
Siguiendo con la relación de la publicidad y el arte he decidido hacer esta entrada de uno de los grupos británicos de rock alternativo más conocidos del momento: Coldplay. Concretamente os hablo de su disco "Viva la Vida", quién catapultó a la fama a estos jóvenes cantantes.
En la portada se puede observar como utiliza el mítico cuadro de "La Libertad guiando al pueblo" (1830) de Eugène Delacroix . Este cuadro, que se encuentra en el Museo del Louvre y he tenido la oportunidad de ver, impresiona a la primera vista por su fuerza expresiva y por la situación que representa. Obliga casi al espectador a unirse a la revolución o dejarse ser arrollado por ella... la decisión la tienes que tomar rápido ya que es un cuadro muy vivo, donde parece que se ha hecho una fotografía a un momento concreto.
El juego con la luz en los primeros planos y lo difuminado en los secundarios, dota a este cuadro de mucho misterio, de mucha fuerza y movimiento. Los colores tan fuertes de la bandera de Francia recortados sobre un fondo de tonos apagados. También vemos color en el traje del soldado que está a los pies de la Libertad. Se pueden apreciar algunos detalles de otros grandes artistas como Rubens (por esas formas onduladas) o Goya (en esa pincelada más suelta de los planos posteriores). Se ve claramente una composición piramidal cuyo vértice superior es La Libertad y en la base, lo cierra con dos cuerpos fallecidos. Se puede apreciar cierta perspectiva y saber que se trata de la ciudad de París por los edificios del fondo, concretamente parece la Catedral de Nôtre Dame, quizás ya es más imaginación mía que otra cosa.
Aprovecho para recomendar este disco, que a mí particularmente me gustó mucho.
¡El arte nos rodea chicos!
Salvadoporlacamapana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 28/12/2010 15:07 | Comentarios (4)
Los amantes del arte vemos en el Museo de Orsay de París, una parada imprescindible por sus pinturas y esculturas de los siglos XIX y XX. Ya hice una entrada sobre este museo, pero ahora quería hacer una aportación más concreta, ya que una parte importante de la pintura impresionista del Orsay estuvo en Madrid, en la sede de la Fundación Mapfre, hasta finales de Abril de este año que se acaba.
La exposición se llamaba “Impresionismo. Un nuevo renacimiento”, y recorría la historia de este movimiento artístico a través de las obras de maestros como Manet, Monet, Renoir, Pisarro o Cézanne. En total se exhibieron 90 piezas, la mayoría de las cuales no habían sido nunca antes vistas en España.
Algunas de las obras más importantes y que más me gustaron de la muestra fueron “El pífano” de Manet, “Los acuchilladores del parquet” de Caillebotte, “La clase de danza” de Degas (como ya comenté en mi otra entrada sobre mi pasión por Degas), el “Columpio” de Renoir… Además, destacar que la exposición era gratis, sí, como lo leéis, todas estas grandes obras de arte reunidas en un mismo espacio y encima con entrada libre. Eso sí, tenías que conseguir las entradas con antelación.
El subtítulo de la muestra, “Un nuevo Renacimiento”, hace referencia a que en el Impresionismo se intentó una voluntad de empezar de nuevo en la pintura y de mirar a los maestros antiguos de igual a igual.
Se tratan de casi 100 obras que partieron después al Museo de Bellas Artes de San Francisco y al Frist Center for Visual Arts de Nashville. Esperemos que algún día pueda volver a España, porque ha sido una de las exposiciones de arte que más me gustaron. Quizás aquí culminó mi enamoramiento de este siglo. Aquí os dejo mis obras favoritas de la exposición:
"Los acuchilladores del parquet" de Gustave Caillebotte
"Clase de danza" de Edgar Degas
"Galatea" de Gustave Moreau. Este cuadro me gusta particularmente por la vegetación sobre la que se posa el cuerpo perfecto de la mujer con esos largos y dorados cabellos. Es un cuadro muy enigmático que me sorprendió verlo en persona.
"El Columpio" de Pierre-Auguste Renoir. De este cuadro me sorprendió como a base de pinceladas aparentemente "dejadas caer", sin mucha definición... consigue unas texturas, unos colores, una luz que se filtra entre las copas de los árboles impresionantes.
"El pífano" de Édouard Manet. Este cuadro me gusta por lo que cualquier persona puede ver en él, es decir, un personaje tocando una especie de flauta travesera. Pues precisamente eso es lo que me gusta, ya que me recuerda a cuando yo tocaba la flauta travesera en el conservatorio.
"Arreglo en gris y negro nº1" de Whistler. Más conocido como la "Dama de Whistler" por la película de Mister Bean en la que suceden una serie de divertidos accidentes con el cuadro. Me gustó verlo y me salió una pequeña sonrisa, pese a que el cuadro es sobrio, oscuro y muy frío.
"La Urraca" de Claude Manet. De postre me dejo uno de mis favoritos. El tratamiento de las luces y las sombras sobre la nieve es absolutamente fascinante. Pese a que la nieve pueda transmitir frío, esos rayos de luz, intuyen calor, y ese calor es transmitido al espectador, o por lo menos en mi caso así fue.
Los cuadros estaban enmarcados en cuadros muy antiguos y recargados, con una iluminación exquisita que resaltaba a la perfección todos los detalles de las obras. Las paredes estaban pintadas con tonalidades suaves, nada estridentes, y sobre ellas unas placas explicativas transparentes de la obra expuesta muy ligeras y casi imperceptibles. Ahh, no olvidéis entrar en este link, vale la pena para aquellos que no pudisteis disfrutarla aquí os podéis hacer una idea:
El Gran Cañón es una vistosa garganta excavada por el río Colorado en el norte de Arizona, Estados Unidos. Está considerado como una de las maravillas naturales del mundo y está situado en su mayor parte dentro del Parque Nacional del Gran Cañón (uno de los primeros Parques Naturales de Estados Unidos).
Estas fotos son del recorrido por Estados Unidos que hice en octubre de 2009, sin duda el viaje de mi vida. En las dos primeras imágenes os muestro el impresionante Gran Cañón que es visita OBLIGADA si pasáis por el sur de Estados Unidos. En la tercera fotografía podéis observar la "típica" carretera del desierto que ocupa Arizona, Nuevo México y Nevada con un cartel que anuncia a los sedientos viajantes un puesto de comida mexicana. Espero que os gusten.
Otra entrada con fotos que quiero compartir con todos vosotros, en este caso de Egipto, la gran civilización antigua. Muchos son los misterios que giran alrededor de este pueblo y es una lástima que no tengamos más tiempo para poder estudiarla en la asignatura. Pero bueno, aquí las tenéis, disfrutarlas.
El famosísimo Templo de Abu Simbel, siempre repleto de turistas y de vendedores ambulantes... pero ¿Dónde están los turistas?. Me gusta esta foto porque te transmite paz, todo lo contrario que cuando estás allí bajo un sol abrasador lleno de gente.
Más contrastes, ¿que raro en mí, no? Aquí tenemos hoteles de cinco estrellas para los turistas, tan mimados en un país que vive absolutamente del turismo, y bajo ellos casas viejas, ruinosas y carecientes de cualquier comodidad.
Las falucas son las embarcaciones típicas del Río Nilo... la verdad es que crean una estampa increíble.
Una foto de pirámides, ya tardaban en salir... Aquí tenemos la primera pirámide construída que se conoce. ¿No os apetece sentaros en ese banco a la fresquita?
La verdadera ciudad del Cairo: calles estrechas, sucias, sin asfaltar, polvorientas...
Una de mis fotos favoritas del viaje a Egipto: este niño en camello que aprovechan cualquier situación para pedirte algo de dinero, en este caso a cambio de posar para la foto hubo que darle una "propina". Aquí quién no corre vuela, y ellos aprovechan cualquier situación.
En esta foto quise resaltar el tamaño de las piedras que forman las enormes pirámides. De fondo se observa la Pirámide de Keops, una de las más importantes.
El Templo de Karnak, es el conjunto de templos más grande de Egipto y el más antiguo dedicado al culto que se conoce. Destacar las grandes columnas con inscripciones y jeroglíficos que cuentan historias variadas sobre dioses, faraones y demás personajes de una civilización milenaria.
y para finalizar una foto curiosa... si quieres mezclarte con la cultura, quieres formar parte de ella durante tu estancia allí y quieres vivir la experiencia al máximo... no hay nada como subirte en un taxi en pleno corazón del Cairo. Asqueroso pero encantador. Las puertas del taxi no funcionaban (tenías que abrir con una palanca), de taxímetro ni hablemos, encima del volante tenía extendida una piel de a saber que animal lleno de polvo y más tiñosa imposible; los asientos eran arena y polvo, no habían cinturones y para rematar todo esto: ¡¡¡¡EL TRÁFICO EN EL CAIRO ES CAÓTICO!!!!
Espero que os hayan gustado las fotos.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 28/12/2010 00:26 | Comentarios (3)
Durante mi visita a Florencia también tuve tiempo de visitar otro de los grandes museos de Florencia, el Museo de la Academia. Este museo alberga otra de las colecciones más importantes de pintura y escultura de la Italia del s. XIII al XIX.
Su origen se inicia en 1563, cuando se fundó la Escuela de Bellas Artes para la enseñanza de técnicas de dibujo, pictóricas y escultóricas. En 1784, Leopoldo I de Habsburgo Lorena, Gran Duque de Toscana, decidió situar todas las Escuelas Superiores florentinas de Arte en edificios colindantes. Ahí nace la actual Galería de la Academia.
Las obras de arte se clasifican en 11 salas, distribuidas junto a una gran escalinata. Junto a esta exposición de arte, se encuentra también, una importante colección de instrumentos antiguos, y de iconos rusos.
Pero sobre todo, el contenido más importante y que más me gustó, son las grandiosas y numerosas obras de Miguel Ángel, principalmente y en concreto el David de 1504 y que fue trasladado al museo en 1947, procedente de la Plaza de la Señoría (hasta entonces se encontraba al aire libre).
Al entrar, en la primera sala se encuentra una escultura muy conocida como es el “Rapto de las sabinas” de Juan de Bolonia (hay una réplica en la Loggia de la Signoría).
A continuación se pasa a la sala de Miguel Ángel, en donde se encuentran unas magníficas esculturas inacabadas o esbozos, esculpidas en piedra y que iban a ser destinadas al sepulcro del Papa Julio II en Roma y que sin embargo no terminó Miguel Ángel. Nos sorprende a todos, ya que parecen como figuras prisioneras que quieren salir de la piedra y no lo consiguen.
Pero lo más asombroso es su famoso David esculpido con tan solo 25 años de edad. En 1501, de regreso a Florencia, procedente de Roma, después de ejecutar por orden del Papa Julio II su también famosa Piedad, los administradores de la catedral de Florencia le encargan esta obra.
La estatua que mide 4,10 metros de altura, representa al cuerpo desnudo de un varón con todos sus músculos en tensión, cargado de vida y de deseo de victoria, y que se apoya en una pierna para manifestar movimiento.
El entorno en donde está ubicado es magnífico: la luz que le refleja y que ilumina toda estancia está muy bien estudiada, ya que iluminan la obra sin provocar reflejos, con lo cual no molesta en ningún punto en donde nos encontremos.
Situarte bajo los pies del David es realmente impresionante, el detalle de las manos es extraordinario. La desproporción de las manos y pies me destacaron más en persona que viéndolo en imágenes. El museo está un poco separado de la ciudad turística, pero no por ello deja de ser otra de las visitas obligadas de Florencia. Aquí también nos sale gratis la entrada.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 27/12/2010 23:54 | Comentarios (1)
Pieter Brueghel el Viejo fue un pintor y grabador flamenco fundador de una verdadera dinastía de pintores. Es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI.
En primer lugar quiero mostraros un anunció de una campaña de "Coca Cola Light". Se trata de una revisión del cuadro de "La boda campesina" de Peter Brueguel el Viejo, realizada en 1568.
Si vemos una y otra imagen vemos como el cuador del pintor flamenco que trata de mostrarnos una escena costumbrista de la sociedad campesina del siglo XVI. El anuncio, sin embargo, se ha convertido en una escena con mucho más "glamour" si se puede llamar así, ya que las ropas, los peinados e incluso los platos nos evidencian que el anuncio hace referencia a un estrato social más elevado. Incluso el propio anuncio hace un guiño "The art of drinking", que nos muestra que se dirige a un grupo social con clase, recursos gustos refinados.
Peter Brueghel reflejó fielmente la vida del pueblo flamenco y fue uno de los más grandes artistas de su época. En él, el gusto por la anécdota se da paralelamente a una amplitud compositiva y a un sentido estricto del ritmo y de la síntesis que subordina el detalle a la visión de conjunto como podemos observar en algunas de sus obras:
"La torre de Babel" (1563) "El triunfo de la muerte" (1562)
En este puente de diciembre he tenido la oportunidad de estar un par de días en Florencia. Es una de ciudad preciosa, diría que es una de las más bonitas del mundo. Tuve tiempo de visitar los lugares más importantes como las plazas de la signoria, la plaza de la república o la plaza de Miguel Ángel, las iglesias de Santa Croce, Santa María Novella, San Lorenzo y el Duomo, el Palacio Pitti y el Palacio Vecchio. Pero tampoco podían faltar las visitas al Museo de la Academia y a la Galería de los Uffizi.
La Galería Uffizi o Galería de los Oficios, es un palacio en Florencia que contiene una de las más antiguas y famosas colecciones de arte del mundo.
Los orígenes de los Uffizi se remontan a 1560, cuando a petición de Cosme I de Medici, Vasari proyecta un gran palacio que alojaría las Magistraturas, es decir, las oficinas administrativas y judiciales del Ducado de Toscanaque hasta entonces se encontraban en el Palazzio Vecchio.
Con el paso de los años, estas estancias se fueron ampliando y llenando de las obras de arte que eran de la propiedad de la familia Medici, hasta que en 1737 el último miembro de la familia Anna Maria Ludovica, dio las instrucciones para que todas las obras de la dinastía de los Medici quedaran a disposición de los amantes del arte del mundo entero.
Otras obras pertenecían al patronato de iglesias, cofradías y conventos de Florencia y alrededores, donde también se formaron artistas monjes como Fra Angélico, Lorenzo Monaco y Fray Bartolomeo
Fue abierto al público en 1765.
La colección de arte de los Uffizi es muy amplia, con fondos incluso no expuestos por falta de espacio. La exposición se distribuye a lo largo de dos pisos del palacio con 45 salas en el vestíbulo y varias más en los diferentes corredores, ordenados todos ellos cronológicamente.
Se comienza la visita por la planta segunda, en donde hay varias salas dedicadas a Giotto, a Filippo Lippi, a Botticelli, a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, a Tintoreto y a Rubens entre otros.
Las dos obras que más me gustaron fueron las de Sandro Botticelli: “El nacimiento de Venus” y “La primavera” (s. XVI), ya que me impresionaron ver ante mí, dos de las obras que más he visto en los libros de historia del arte y que me parecieron muy hermosas por su colorido y majestuosidad (ambas de encuentran en la sala nº 10).
Además de estas referencias artísticas, destacan en los diferentes corredores, numerosas esculturas romanas, reproducciones de obras griegas, estatuas romanas y griegas de la época Helenística, esculturas de la Virgen, urnas funerarias romanas fechadas entre la primera mitad del siglo I d.C. y s. III d.C., etc.
En la planta primera hay salas dedicadas a Caravaggio, Manfredi, y otras en donde hay grabados de los Uffizi y dibujos, así como alguna sala en donde se exhiben exposiciones temporales.
Cada cuadro o escultura está definida por un cartel en donde figura el nombre del autor y de la obra, y el momento en que está fechado, así como su procedencia.
Sin embargo no pudimos ver todas las salas porque nos faltó tiempo. No podíamos quedarnos a ver todas las salas, sólo vimos las más importantes. Espero volver a Florencia con más tiempo para poder ver todas las salas de la galería. Es una visita obligada que hay que hacer en Florencia, además, a los arquitectos nos dejan pasar gratis :).
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 27/12/2010 23:01 | Comentarios (2)
Como ya mencioné anteriormente en mi post sobre la Tate Modern Gallery de Londres, el pasado puente de octubre visité la exposición Gauguin: Marker of Myth (Gauguin, Forjador de Mito) que evidentemente se trata de una retrospectiva sobre Paul Gauguin. Organizada por la Tate Modern en colaboración con la National Gallery de Washington (la capital norteamericana será la siguiente sede, a partir de febrero de 2011) se podrá visitar hasta el 16 de enero.
Gauguin, nacido en 1848, no se dedicó al arte hasta 1883. Antes fue marino y corredor de Bolsa, trabajo que dejó para dedicarse a los pinceles en compañía, primero, de su esposa danesa Mette Gad (que también pintaba) y después de otros contemporáneos impresionistas como Pisarro y, sobre todo, Van Gogh. En 1886 viajó por América antes de abandonar definitivamente a su esposa e hijos y marcharse a la Polinesia para escapar “de todo lo artificial y convencional” de la vida en la Europa occidental. Vivió en Tahití, donde se creó "su lugar de placer" y realizó algunas de sus obras maestras inspirado por su cultura, religión, paisaje y gentes, y murió en las islas Marquesas en 1903 como predecesor del fauvismo y otras vanguardias del nuevo siglo.
Si bien la entrada para visitar la colección permanente de la Tate es gratuita, no es el caso para las exposiciones temporales. El precio de la entrada para la exposición de Gauguin es de 13,5 libras. Además debido a la gran afluencia de visitantes a ésta tuvimos que hacer la compra de entradas anticipadas online través de su web.
“Gauguin: Maker of Myth” reúne más de un centenar de pinturas, dibujos, esculturas y cerámicas procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, presentadas temáticamente a pesar de que abarca los diferentes periodos de la carrera de este precursor del arte moderno.
La exposición comienza con una selección de autorretratos representativos de las diferentes imágenes que el artista proyectó a lo largo de su intensa vida, dedicada en gran parte a buscar el paraíso perdido, o un mundo no contaminado por las convenciones de Occidente, especialmente hacia el final de su vida en Tahití y en las islas Marquesas.
Gauguin se dio cuenta muy pronto de que la propia historia de su vida tenía potencial para dar "cachet" a su arte, o sea que está el mito de su persona y de ahí el nombre de la exposición.
A lo largo de la exposición podemos contemplar la evolución de este gran artista. Impresionista en sus inicios, Gauguin empezó a utilizar el color de una manera más expresiva y simbólica, y a simplificar su dibujo a partir de una estancia en 1886 en Bretaña, región que le cautivó a la vez por sus paisajes y también por sus tradiciones arcaicas y estereotipadas. Destacan sobre todo de esa época “La visión después del sermón” (1888), en el que utiliza colores poco realistas para representar a un grupo devotas mujeres con tocados tradicionales asistiendo a una visión, o “El Cristo en el Jardín de los Olivos” (1889) en el que el artista se representa con pelo rojo.
Pero donde realmente desarrolló sus ideas sobre “la musicalidad del color”, que mucho después de su muerte influyeron a fauvistas, expresionistas y otras corrientes, fue en Tahití, un lugar que le decepcionó por estar demasiado “occidentalizado” pero que presentó en su obra como un paraíso tropical.
Algunas de las obras más icónicas de este periodo, el más famoso y exitoso de su carrera, pueden verse en la exposición, como "Dos Mujeres Tahitianas" (1899) y "Nevermore O Tahití" (1897), un gran desnudo clásico de una mujer tumbada elegido como portada del catálogo y sin duda la obra que más me impactó.
Como ya hice en posts pasados os recomiendo visitar esta exposición única si visitáis Londres ya que solo permanecerá hasta febrero y es una oportunidad única para verlas en vivo y en directo ya no tienen nada que ver las fotos con la genialidad del color en la realidad. Aquí os dejo otras pinturas que podéis encontrar en esta maravillosa exposición:
Como ya sabéis hace un par de meses estuve en Amsterdam y uno de los museos que visité fue el Rijksmuseum, uno de los más importantes junto al de Van Gogh, del que ya os hablé en los inicios del blog. El otro día viendo la televisión vi el anuncio de “La Lechera” y me dije a mi mismo: “Esto me suena…” , y efectivamente, el anuncio es una recreación del famoso cuadro del pintor holandés Vermeer. Así que vi interesante compartirlo con vosotros, ya que estoy seguro que todos conocéis el cuadro y el anuncio. Aquí os lo dejo.
Este anuncio de la marca Nestlé ha sido muy original, ya que los creativos han apostado a la recreación de una bella obra de arte. Y, aunque la recreación del cuadro de La Lechera de Vermeer no está muy bien conseguida en el spot, un poco largo y confuso, es de una evidencia total en los envoltorios de los productos, como podéis comprobar en la composición en la que aparece el cuadro y la tapa de las natillas.En definitiva, la publicidad puede ser otro camino para conectar nuestra vida cotidiana y el arte a poco que nos fijemos en los anuncios televisivos o de revistas.
La lechera es una obra del artista holandés Johannes Vermeer. Pintado aproximadamente en 1658. El único personaje que aparece es una mujer, la criada que esta representada como alguien humilde, trabajadora y concentrada en sus tareas diarias. La mujer está vertiendo leche de una jarra sobre un cuenco, con la cabeza agachada. Parece aceptar, de una manera natural, su destino sirviendo a otros.
Hay más elementos que merecen la pena resaltar. El bodegón, situado en primer término. La ventana, algo habitual en la pintura de Vermeer, que suele aparecer a la izquierda, por la que entra la luz que ilumina la estancia. Una habitación humilde, que se percibe en las grietas y agujeros de las paredes.
La luz tiene una importancia vital en esta pintura, ya que, inunda la estancia. Algo que el artista lo representa con la técnica del pointillé, a base de puntos, que en este caso, dan una sensación de puntos de luz.
En cuanto a los colores de “La lechera”, destaca especialmente el amarillo y el azul del vestido y que además, son los colores holandeses. Están todos los elementos característicos de su estilo: el juego de luces y sombras, los colores, la perspectiva lineal y el realismo.
Una obra sencilla, íntima y bella, donde la iluminación de sus pinceladas y la sensibilidad del artista se plasman en cada detalle de la misma. Pintura, que por suerte, podemos disfrutar y he tenido la oportunidad de hacerlo en el Rijksmuseum de Amsterdam. Os la recomiendo.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 27/12/2010 21:33 | Comentarios (1)
Dentro del apartado de fotografía hoy me toca cruzar el Atlántico, concretamente al país que controla, o controlaba, el mundo: Estados Unidos. Hace dos años tuve la oportunidad de pasar todo el verano disfrutando de sin duda una de las mejores ciudades de todo el país: Boston, en el estado de Massachusetts. Boston es una ciudad que tiene lo bueno de grandes ciudades como Nueva York: rascacielos, museos, diversidad de gentes, grandes tiendas y almacenes... pero con una característica fundamental: su tamaño. Es una ciudad donde todo está a tu alcance a un par de paradas de metro. Al ser más pequeña, y no por ello menos cosmopolita, está menos contaminada tanto atmosféricamente, como lumínicamente como acústicamente.
Bueno podría seguir hablando horas y horas de esta gran ciudad, que recomiendo fervientemente visitar, ya que considero que vale mucho la pena. Aquí os dejo algunas fotos que tomé en ese verano, tened en cuenta que aún me movía por el mundo con una compacta de escasos megapixels y con nula idea de fotografía (casi como ahora)
Esta primera imagen es la calle que pisaba todos los días, ya que a la derecha está la universidad donde estudiaba. Era una calle llena de tiendas, grandes almacenes, centros de ocio, restaurantes... una de las calles peatonales principales de la ciudad.
Los contrastes que tanto me gusta encontrar en las ciudades, aquí tenéis uno bastante claro ¿No?. Dos edificios de piedra, antiguos, duros... conviviendo a la perfeccion con una fachada de cristal, ligera, brillante e impresionante.
Uno de mis rincones favoritos: Quency Market... un mercado abierto donde todos los días se reunían cientos de personas para tomar un café, un té o incluso cenar y comer. También podías disfrutar de espectáculos callejeros, de toda clase de tiendas y de lugares de ocio. Lo que más me gustaba era sentarme en un banquito a ver las actuaciones y ver la gente pasar, la verdad es que los estadounidenses son un pueblo muy curioso... ¿Será porque cada uno es de un lugar del mundo y se ha creado un "mix" muy dispar?
Otra foto que me encanta, concretamente es la Torre John Hancock cubierta por las nubes, más de 240m de arquitectura acristalada que desde el momento de su construcción se convirtió en uno de los emblemas de la ciudad.
Ahora toca una foto más "artística", es una imagen tomada desde la base de la Torre John Hancock hacia arriba donde se ven como todas las carpinterías convergen en un punto de fuga. Una foto curiosa.
¿Y que mejor forma para acabar un post de fotografía que con el arte que nos despide cada día? Los atardeceres, sí, ya sabéis mi debilidad por un atardecer, y aquí no iba a ser menos. Pese a que no fue la mejor puesta de sol que pude ver allí, si que es de las pocas en las que hice una foto, ya que siempre me quedaba alelado mirando por la ventana y cuando echaba mano de mi cámara ya era de noche. Concretamente esta foto está tomada desde mi habitación con maravillosas vistas al pulmón verde de la ciudad, el Boston Common Garden, un lugar increíble del que me costó mucho separarme.
Espero que os hayan gustado las fotografías y que al menos a alguno de vosotros haya animado a visitar la ciudad. Ya sabéis, si lo hacéis, comunicármelo que tenéis un compañero de viaje, guía explicativo de la ciudad, fotógrafo, portamaletas... lo que queráis con tal de volver a esta maravillosa ciudad.
Saludos y Felices Fiestas que no os lo había dicho, ups!
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 27/12/2010 21:14 | Comentarios (2)
La gente de O2 han hecho tan bien el spot que llegan incluso a quedar como los malos de la película al acabar con los entrañables móviles y ordenadores de cartón. ¡Me encanta el nuevo Youtube!
Siguiendo con las entradas que relacionan el arte y la publicidad, no he querido dejar escapar la oportunidad de subir este anuncio conocido por todos de Mastercard. En ella se pueden ver referencias a distintos campos del arte, tanto aquitectura, como pintura y hasta incluso literatura.
El spot en cuestión se llama "Genios". Es un homenaje en toda regla a genios españoles como Gaudí, Cervantes, Picasso y Lorca. En él vemos como un chaval relaciona todo lo que ve con sus obras: La Sagrada Familia, Don Quijote, un retrato de Picasso... pero ¿Dónde vemos a Lorca? Pues en ningún sitio compañeros, ya que unicamente podemos escucharle: en la canción que suena de fondo el piano fue tocado por el mismísimo Lorca.
Retrato de Dora Maar por Pablo Picasso
Don Quijote y Sancho Panza con sus miles de divertidas aventuras. ¿Quién no ha leído aunque sólo sea un fragmento de esta gran obra de la Literatura Española? ¿A quién no le suena el archiconocido y aborrecido: "En un lugar de la mancha de cuyo nombre no quiero acordarme............." ??
Otra obra con solera, la inacabable Sagrada Familia de Gaudí
Bueno espero que os haya gustado la entrada y espero que os deis cuenta de que el arte está por todas partes, simplemente tenéis que dejar de ver para pasar a observar
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 27/12/2010 20:27 | Comentarios (4)
Es una representación a escala de la obra de "La creación de Adán" de Miguel Ángel, probablemente el fresco más conocido de laCapilla Sixtina. Intenta animar a la gente a entrar en la consulta de un cirujano plástico, el Dr. Kim. Su lema es "Be Born Again".
Es una forma de relacionarse directamente con el arte, formando parte de él. Se pueden producir situaciones graciosas como uno de los comentarios del enlace original: "¿qué pasa si un chaval que lleva pizzas a domicilio tiene las manos ocupadas y ha de llamar al ascensor con el trasero? ¿Dios te toca el culo?" Este anuncio puede parecer muy acertado. Sin embargo, también puede generar controversia ya que pretender ser tocado por el dedo de Dios parece algo pretensioso ¿no?
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 26/12/2010 12:37 | Comentarios (1)
El año pasado visité Toronto. Una ciudad magnífica a la que es obligada la visita al mirador de la CN Tower.
Hasta hace poco tiempo era, con 553 metros de altura, la torre más alta del mundo. En el conjunto de la ciudad de Toronto impone bastante ya que sobresale por encima del skyline de una manera bastante visible. Su función es de torre de comunicaciones, a la vez de un gran reclamo turístico y un perfecto mirador.
La visita al mirador me encantó. Da mucha impresión. Desde allí todos los edificios parecen muy pequeños. Además no tiene rejas como otros edificios, sino que es un cristal que además está inclinado por lo que da mucha más sensación. Desde arriba se ve toda la ciudad, la isla y una magnífica visión del lago Ontario. Si vas a Toronto no te puedes perder esta visita.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 26/12/2010 11:44 | Comentarios (2)
Una vez más aprovecho para enseñaros imagenes del Camino. Esta vez son de la etapa más bonita, pero también una de las más duras. Son de la etapa del Puerto del Palo en Asturias en los que asciendes desde los 300 a más de 1200 metros de altitud. Es una etapa preciosa. Ascendimos la montaña con una niebla espesa que apenas te permitía ver a un metro de distancia. Pero cuando llegamos a la cima la niebla se había convertido en un manto de nubes a tus pies. ¡IMPRESIONANTE!
¡Espero volver algún día!
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/12/2010 18:50 | Comentarios (1)
No sé cómo explicarlo, pero el Camino, en cierta medida, te hace vivir la vida de otra manera, una manera que poco tiene que ver con la imperante en esta sociedad, la sociedad del pisoteo continuo, de las prisas, del poder económico… Esta vez os dejo con imágenes de la costa cantábrica.
Podrían representar las dos caras del mar: por un lado la fuerza y la violencia de las olas chocando contra las rocas en San Esteban de Leces (imagen 1) y por otro, la calma tranquilidad de la playa de La Isla (imagen 2). Aunque las dos imágenes trasmiten sensaciones contrarias, ambas me parecen igual de bonitas, ¿No os parece?
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/12/2010 18:36 | Comentarios (2)
Este verano recorrí el Camino de Santiago desde Llanes, un pueblecito entre Cantabria y Asturias. Fue una experiencia única ya que conlleva una desconexión del mundo, de los problemas, de la rutina, además el Camino te hace independiente, en el sentido de que en tu mochila tienes todo, aprendes a acomodarte a lo que haya, a convivir con gente con la que, en muchas ocasiones, tienes poco en común. Sientes que no dependes de un medio de transporte, que con tus pies te basta para moverte por el mundo.
¿Y cómo explicar los paisajes? Prefiero hacerlo mediante unas imágenes.
Este bosque está en la etapa entre Bodenaya y Pola de Allande (Asturias). Parecen sacadas de un cuento de hadas.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/12/2010 18:22 | Comentarios (2)
Continuamos con las publicaciones relacionadas con el arte y la publicidad, y en este caso realizaré una conexión también con la moda.
A continuación os dejo una campaña que realizó Yves Saint Laurent en 1998 protagonizada por una jovencísima Kate Moss, controvertida donde las haya, y el norteamirecano Scott Barnhill. Los publicistas encargados de lanzar esta campaña al mercado decicdieron recrear algunos de los cuadros másfamosos de la historia del arte. El fotógrafo italiano Mario Sorrenti fue el encargado de las fotografías. Podemos observar como juega con los elementos de las obras originales y los lleva a una ambigüedad entre lo masculino y lo femenino, bajo mi punto de vista, muy chula. Antes de investigar sobre esta campaña y estas fotografías desconocía la obra de este genial artista que ha trabajado con las caras más conocidas del panorama social y con las principales publicaciones de moda y la cual os recomiendo que os paséis a ver por su web.
¿Os acordáis de los Playmobil? Esos muñecos alemanes nacidos hace 37 años que tantas horas de juego nos ha dado a todos. Pues los amantes de los Playmobil ya tienen la excusa perfecta para ir a Bilbao, porque a partir del 6 de diciembrese podrá visitar en el Museo de Reproducciones artísticas de Bilbao una exposiciónde Playmobil bajo el nombre de “Berre-click artea”.
Es una exposición pensada tanto para niños como para mayores que recrea diferentes ámbitos marinos utilizando muñequitos Playmobil. Se produce como homenaje a los80 añosde existencia de este museo, que es uno de losmejores de Europaen réplicas dearte clásico en escayola.
El turista podrá ver cómo los conocidos muñecos de Playmóbil se convierten en los protagonistas de todo tipo de escenas. Consiste en una maqueta de la ciudad en unasuperficie de 14 metros cuadrados, creado por Luis Fernández, en la que hay cabida para situaciones cotidianas así como famosas escenas de la fotografía como "La muerte del miliciano", la música como Los Beatles y del arte como 'La última cena' de Leonardo Da Vinci, 'Las Meninas' de Velázquez o "Los fusilamientos del 3 de mayo" de Goya.
Los clicks están ya instalados y estarán a disposición del público durante todo el periodo navideño. El horario del museo es martes a domingo, de 10:00 a 18:30, y sábados y domingos de 10:00 a 20:00.
Es una excusa perfecta para visitar la ciudad de Bilbao, preciosa por otro lado. Así que todos al museo marítimo a ver a los Paymobil.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 09/12/2010 15:11 | Comentarios (1)
El tema del arte callejero, es un tema que da mucho de sí, tanto por la polémica que pueden generar como por el hecho de que son momentáneas, por lo que voy a hablar de unas obras que consiguen una gran potencia visual y que poseen una gran admiración en internet. Con esta entrada quiero mostrar estas creaciones que solo pueden ser contempladas durante un breve periodo de tiempo, ya que están realizadas en tiza y materiales mucho menos resistentes a las acciones medioambientales y que ademásson eliminadas por los servicios de limpieza, ya que las autoridades no saben apreciar este tipo de arte y lo consideran una forma de destrozar el mobiliario urbano. La gracia de estas obras reside en las ilusiones ópticas que generan, creando verdaderos efectos de inmersión y haciendo participe al espectador en la obra. En estas creaciones podemos observar desde paisajes paradisiacos hasta animales gigantes que poseen un gran realismo.
El realismo que alcanzan algunas imágenes es simplemente espectacular. Estos graffitis son obra de los maestros del género: Edgar Mueller, Julian Beever y Kurt Wenner.
Aquí os dejo una pequeña muestra de esta forma tan peculiar de crear graffitis asombrosos y con grandes efectos visuales, que dejan perplejos a todos aquellos que se paran un instante a contemplarlos
Creo que esta es una de esas entradas muy visuales, por lo que todo lo que pueda decir se quedara corto con lo que se observa en las fotografías, os invito a que busqueis más obras de estos artistas tan desconocidos por casi todo el mundo.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/12/2010 20:58 | Comentarios (1)
A continuación voy a hablar de los Simpson, esa serie que es un sátira de la sociedad americana, narrando la vida de una familia de clase media que vive en el pueblo de Springfield, aunque la verdad no creo que haga falta que explique en qué consiste la serie, ya que todo el mundo la ha visto alguna vez.
Hecha esta breve introducción, vamos a centrarnos en el tema principal de esta entrada, en esta vamos a tratar la aparición de obras de artes en los Simpson, a continuación muestro una serie de ejemplos en los que aparecen diferentes obrasy su correspondiente transformación al mundo de los Simpson:
Esta escena pertenece a un capitulo en el que Homer siente una gran atracción hacia una de sus compañeras de trabajo, y en sueños se la imagina recreando la escena de “El nacimiento de Venus” de Sandro Boticelli.
En esta imagen observamos a Homer siendo atacado por El Hombre de Vitrubio, obra creada por Da Vinci , dicha escena se produce cuando Homer se queda dormido en un museo y sueña que distintas obras de artes le atacan (escena 1). Ademas en otro dibujo se caricaturiza dicha imagen colocando a Homer como el propio Hombre de Vitrubio:
Otra de las obras que aparecen en este peculiar mundo de personas amarillas y con cuatro dedos es la figura del David de Miguel Ángel. Este aparece en un capitulo en el queel David de Miguel Ángel se dispone a hacer una gira por Estados Unidos. Muy pronto llegará a Springfield, pero los miembros de la Asociación contra la Violencia creada por Marge. Esta asociación incita a Marge a protestar por la presentación de la escultura, debido a que según ellos, la escultura es ofensiva e impresentable. Sin embargo, Marge se niega a quejarse, ya que la escultura le parece una obra de arte y que debe de ser visitada por todo el mundo. En este capítulo la Asociación en un cartel en contra de la escultura se le ponen pantalones para esconder su desnudez.
Esta obra aparece en otro capítulo de los Simpson, en dicho capitulo la escultura está hecha de material reciclado (en esto se puede intuir la comparación con el hecho real en el que Miguel Ángel hizo su David con mármol reciclado).
Y por último hablaremos de "El jardín de las delicias", deHieronymus Bosch. En este caso el cuadro aparece cuando Bart llega al infierno contempla un escenario que es una referencia a dicha obra.
Y así nos podríamos tirar llenando páginas y páginas en el blog, ya que los Simpson es un fuente inagotable en el tema de apariciones de obras de artes, eso sí dándoles el toque de lo Simpson.
Se que es un tema muy tratado en los blogs, pero que quereis es un gran tema, y me parece que pese a estar ya muy "manoseado" pues cada uno aporta us granito de arena.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 07/12/2010 18:08 | Comentarios (0)
¿Quién no ha visto alguna vez el famoso cuadro de "El Grito?
Pues aquí os dejo algunas "parodias" que han hecho sobre esta obra... algunas con más acierto y otras con menos, pero bueno.. es otra forma de relacionarnos con el arte.
¿No son geniales?
Mi favorita, muy muy buena. Espero que os guste también.
Y la pregunta que todos nos hacemos: ¿Qué vio el personaje que le asustó tanto? Aquí tenéis una propuesta jajaja
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 06/12/2010 03:18 | Comentarios (1)
Domenico Dolce y Stefano Gabbana son probablemente los diseñadores mas glamourosos que te puedes encontrar en el panorama de la moda actúal. No es que superen a otros como Armani o Karl Lagerfeld, ambos dos excelentes en la ejecución de sus piezas de arte, si no que al no parar de trabajar están en boca de todos contínuamente. Todos oímos de ellos cada vez que hay una gran fiesta internacional y glamourosa, ya que visten a lo mejor de cada casa.
En el anuncio, que es un claro homenaje al director italiano ganador de un Oscar Federico Fellini por su película "La Dolce Vita", los propios diseñadores se sientan en torno a una mesa, cantando y riendo con la actriz italiana Monica Bellucci... de hecho, en unas declaraciones que pude ver comentaban que el trabajo de "actores" había sido bien sencillo porque lo único que tenían que hacer era reír y charlar con Monica, quién casualmente es amiga de la pareja de diseñadores desde la escuela. Todo queda en familia.
Centrándonos en el anuncio en sí... aparece Monica Bellucci vestida toda de negro con unos zapatos, vestido, bolso, gafas y todo lo que tu imaginación pueda alcanzar de la marca Dolce&Gabbanna, pobrecita..., y va paseando por las calles de Roma ante la atónita mirada de todos los de su alrededor, provocando en ellos un giro de cabezas a su paso. Gracias a este anuncio se pueden ver la gran mayoría de los monumentos que Roma posee.
Dejando de un lado tanto a Martini como a D&G, el anuncio es impresionante porque te hace un recorrido bien rápido por todas las obras de arte que la capital romana nos ofrece. Aprovecho para animar a todo el mundo a visitar a esta ciudad-monumento, a esta maravilla mundial del arte...
Como curiosidad decir, que el spot ha sido dirigido por el sueco Jonas Akerlund, quién ha trabajado con cantantes y divas de la talla de Maddona o Lady Gaga.
Lo dicho, visitad Roma que es un museo al aire libre y de dimensiones espectaculares. ¡No os defraudará!
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 05/12/2010 22:56 | Comentarios (0)
En este anuncio de Custo vemos un nuevo ejemplo de arte en la publicidad. Nos recuerda al surrealismo. El surrealismo buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
En el anuncio aparece una chica jugando con las mariposas como si pudiera controlarlas. El ambiente que se crea es el de un sueño, el de una imagen que puede provocar el subconsciente. Y sueño y subconsciente son dos palabras fundamentales a la hora de hablar del surrealismo.
Por otra parte, nos recuerda al retrato de la Gioconda de Da Vinci en la pose de la joven. Se parecen en el paisaje fantasioso. Además, la actitud de la chica es misteriosa y las sombras difuminadas que aparecen sobre el rostro de la muchacha recuerdan a la técnica del sfumato, empleada por Da Vinci para difuminar los contornos del semblante de la Monna Lisa.
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 01/12/2010 11:51 | Comentarios (1)
El objetivo de esta campaña está más claro que el agua cristalina: ante precedentes ibéricos fonéticos como “naik” para la marca Nike, Ssangyong quiere que los españoles sepan pronunciar esa marca con tantas letras. Y si hace falta llamar al logopeda de Rajoy, se le llama.
Teniendo en cuenta que no conozco a dos personas que pronuncien igual la palabra Bershka, me pregunto cuándo esta marca hará una campaña parecida. Deberían aprender de Kodak que fue inteligente y escogió un nombre fácil de pronunciar en distintos idiomas.
Me parece un anuncio divertidísimo y no sé si conseguirá su objetivo pero sin duda, al menos yo, ya no puedo despegar "Sanyong" con su correspondiente soniquete de mis tímpanos.
Genial, sencillamente genial. No puedes decir que no contaminas y luego realizar un anuncio en el que malgastes todas esas energías que tu coche defiende.
Hace ya varios días, viendo la televisión me enteré de que en el IVAM, se iba a realizar una exposición de dibujo del MoMA. Esto me llamo rápidamente la atención ya que últimamente no paraba de escuchar comentarios sobre este museo y la cantidad de obras que contiene. La exposición recibe el nombre de Compass in Hand y reúne 241 obras en papel de 118 artistas, una amplia selección de obras de la Colección de Dibujo Contemporáneo de la Judith Rothschild Foundation.
Para empezar se podría hablar del museo IVAM, un museo moderno que cuenta con dos espacios: el Centre Julio González, un edificio de nueva construcción inaugurado en 1989 que presenta los fondos del museo junto a otras muestras de carácter temporal y la Sala de la Muralla, ubicada en los sótanos del edificio que conserva restos de la antigua fortificación medieval de la ciudad, y que actualmente alberga exposiciones temporales. Su diseño original corresponde a los arquitectos valencianos Emilio Giménez y Carlos Salvadores, y fue objeto de una remodelación en el año 2000 llevada a cabo por el propio Emilio Giménez y Julián Esteban. Ocupa una superficie de 18.200 m2 y alberga ocho galerías destinadas a las colecciones del museo y a exposiciones temporales, y una de ellas, La Sala de la Muralla, que tiene acceso independiente, muestra los cimientos de la antigua muralla medieval construida en la segunda mitad del siglo XIV.
En el exterior del museo, a la entrada, uno se encuentra con un conjunto de esculturas que representa a unos hombres sentados con las piernas cruzadas, y en una esquina encontramos una gran barca, todo esto realizado en hierro que por el paso del tiempo se encontraba con un singular aspecto oxidado. Esta obra sellama Eterno Retorno y es de Xavier Mascaró.
Una vez dentro del IVAM nos encontramos con el hall de entrada, amplio y a partir del cual parten los diferentes elementos que guían al visitante hacia las diferentes exposiciones, tomamos el ascensor, decorado con un par de fotografías muy interesantes, para elevarnos hasta el 1º nivel y entramos en la sala de la exposición. Nos adentramos en una sala amplia, cálida, luminosa y que te invita a ver las diferentes obras de una manera relajada y haciendo que el transcurso del tiempo se ralentice durante los instantes que observas las pinturas.
Centrándome más en las obras expuestas, la verdad es que se puede decir que hay arte para todos los gustos, desde el más sencillo y minimalista hasta el arte más recargado y provocador. Entre lo que más me gustó se encuentre una colección decuadros pequeños expuestos en una mesa acristalada, esta colección pasa prácticamente desapercibida y a no ser que te detengas a observarla con atención no consigue cautivarte. El cuadro “Los arboles no te dejan ver el bosque” de Marcel Odenbach, para mi gusto es una de las grande obras de la exposición, a partir de recortes de periódicos, o eso parecían, se recrea un bosque de una forma magistral.
Otra de las obras que mayor aceptación tenía en la exposición era la de “Absolute Power” de Eva Rothschild, obra que constaba de dos partes, una el cuadro en sí, formado por una serie de tiras que se entrecruzan formando desde lejos una serie de líneas que parten de una centro y al acercarte es como si se “pixelase” y la parte inferior colgaban tiras de color negro, que en contraste con la pared blanca creaba una composición muy agradable.
Hablando de las obras que menos me gustaron, se encuentra una obra titulada “Penis hat”, un cuadro de grandes dimensiones que en su parte superior muestra un hombre caricaturizado con un pene sobre su cabeza, en la parte intermedia un barco, y en la parte inferior una serie de fotografías eróticas, y con un tratamiento bastante grotesco. Eso si todo esto acompañado de penes en diferentes posturas y tamaños repartidos por todas las partes del lienzo.
Otras obras curiosas era un mapamundi que mostraba los diferentes males de los diferentes países y en el que España aparece representada por la ETA. También aparece un cuadro que muestra a una serie de jóvenes mostrando las mismas formas que el famosísimo cuadro de “La última cena”
En definitiva una gran oportunidad de observar arte moderno de la mano de uno de los museos más importantes del mundo como es el MoMA, y una exposición que no dejará indiferente a nadie.
PABS
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/11/2010 21:13 | Comentarios (4)
A continuación hablaré de las 2 fotos más destacadas de mi viaje a Perú en el verano de 2009.
Debo decir que es un viaje impresionante, más si se hace como en mi caso que recorrí algunas de las ciudades más bonitas de este país, como Cuzco, Chivay, Arequipa, ciudad donde nació Mario Vargas Llosa, del que ya se ha hablado en este blog por su reciente Premio Nobel, Lima, Puerto Maldonado, Puno, visitando a su vez el lago Titicaca con sus casas flotantes, o Aguas Calientes, donde se encuentra la antigua ciudad de Machu picchu.
De esta manera la primera foto que quiero destacar es la que realicé al medio día en lo alto del Machu picchu, una instantánea impresionante que muestra todo el antiguo recinto en su mayor esplendor. Debo decir que vivirlo en directo es mucho mejor, ya que se siente el espíritu de los que allí vivieron. Es impresionante como se conserva todo y como se alza majestuosamente entre las escarpadas montañas que lo rodean.
He querido incluir esta fotografía por resumir perfectamente la alta riqueza arqueológica que tiene el país, ya que además podemos encontrar otras impresionantes ruinas como lo son las de Ollantaytambo.
La segunda de las fotos de mi viaje a Perú es la que realicé a una niña de la zona vestida con el traje típico y llevando en brazos un cordero.
Me parece una fotografía que capta la felicidad de una niña con un simple corderito,y como a pesar de la mala situación en la que se encuentra este país, los niños son felices con lo poco que tienen. Pienso que a veces esa humildad se pierde en los paises más desarrollados.
Ahora, siguiendo con las entradas dedicadas al arte en la publicidad, creo imprescindible añadir este que he encontrado por internet, que utiliza uno de los cuadros más famosos del pintor impresionista francés del que ya se ha hablado anteriormente en este blog, gracias a la entrada de otro compañero que expone alguna de sus obras, es Edgar Degas.
Y esque, Sony utiliza el cuadro de "La Bebedora de Ajenjo" aprovechando el semblante aburrido de ésta para anunciar la nueva Sony PSP, con la cual se supone nunca te aburrirás como la mujer del cuadro.
Claes Oldenburg es un escultor estadounidense, nacido en 1929 y pionero del Pop Art. Sus obras tienen la peculiaridad de representar objetos de la vida cotidiana a escalas descomunales.
Personalmente nunca he visto ninguna de sus obras, pero me parece interesante su manera de captar la atencíón, ya que, obviamente sus esculturas llaman la atención.
Digamos que es difícil que alguna de sus obras pase desapercibida, que una persona pase por al lado de una cerilla gigante o un imperdible descomunal y no se fije en él.
Honestamente, ¡me encantaría poder ver una cereza gigante!
Todos hemos utilizado alguna vez un conocido programa que aparece en nuestros ordenadores ya de manera predefinida, el paint.
Sin embargo no hemos sido capaces de dibujar algo más que una mera pelota, un monigote o una simple flor a modo de dibujo de niño de 5 años.
Pues bien, he de decir que hay gente que ha conseguido hacer del paint una poderosa arma artística, siendo capaces de dibujar hasta la mismisima Mona Lisa de Leonardo da Vinci.
A continuación, siguiendo con la exposición de las fotos realizadas en algunos de mis viajes, he querido incluir una tomada en el que hice a Suecia en Septiembre de 2008, donde visite la ciudad de Estocolmo.
La instantánea que muestro es la que realice en el Museo Carl Milles, uno de los escultores más famosos de Suecia, que se encuentra en la Isla de Lidingö.
Aquí nos encontramos con un pequeño jardín, Millesgarden, donde están expuestas muchas de sus obras, y además, junto a él, encontramos la casa en la que vivió el matrimonio Milles en los años 50, pudiendo visitarla.
He elegido esta fotografía por el contraste que crean las esculturas con el cielo al ser expuestas a gran altura, creando a veces la sensación de que vuelan.
He de decir que este pequeño museo que se encuentra a las afueras de Estocolmo es muy recomendable, y personalmente me encantó.
El arte está a nuestro alrededor. Todos continuamente lo observamos, lo analizamos, distinguimos su presencia en carteles, rótulos, publicidad, películas, carátulas de cd's o anuncios. Y por suspuesto también en la televisión, por eso hoy proponemos un ejercicio relacionado con una serie: Mujeres Desesperadas.
¿Habéis podido distinguir alguna de las imágenes? Son una sucesión de grandes obras maestras de la pintura en la que salen representadas mujeres en su entorno de relaciones personales, generalmente con sus parejas masculinas. Además de hacer un recorrido histórico por la Pintura, lo hace también del papel social de la mujer, su evolución paralela. Me parece genial la idea teniendo en cuenta el mal gusto de la mayoría de cabeceras de series de televisión. A continuación os dejo las obras que aparecen en el video. ¿Habéis acertado?
"Adán y Eva" de Lucas Granach el Viejo. Gótico y Renacimiento Alemán.
"Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa" de Jan Van Eyck.
"Gótico Americano" de GrantWood. Regionalismo Norteamericano.
Pop Art, Andy Warhol.
"Am I a Proud" de Dick Williams. Póster de los años cuarenta.
El Museum of Modern Art, el MoMA vamos, es conocido por todos nosotros. En el 11West con la 53 de NYC encontramos, sin duda, el mejor museo de arte moderno del mundo. Ya os he hablado anteriormente de mi visita a la gran manzana. Pues bien, a lo largo de mi viaje tuve la oportunidad de visitar este espectacular museo.
Abrió sus puertas el 7 de Noviembre de 1929, con el propósito de acercar a la gente y hacerles entenderlas artes visuales de nuestro tiempo(aunque no creo que el arte tenga que entenderse, creo que tiene que vivirse). Después de casi 4 años de reformas el museo fue reabierto con casi el doble de espacio para exposiciones así como con dos restaurantes (francamente espectaculares, aunque solo al alcance de algunos pocos) y un gran jardín interior que alberga una fantástica colección de esculturas.
vemos aquí el jardín del que os hablaba y la maravillosa colección que hay en el, además invita a sentarte a verlas y reflexionar. En verano debe ser un lugar perfecto para ir una tarde a leer. Aunque seguramente el encanto que tendrá en enero todo nevado, será maravilloso.
aquí podemos ver el espacio interior del museo y disfrutar de las comunicaciones que hay entre las diferentes alturas del mismo. Genial.
Este museo contiene algunas de las obras maestras más importantes del arte moderno, como puede ser “La noche estrellada” de Van Gogh, “Las señoritas de Avigon” de Pablo Picasso o el famosísimo “La presencia de la memoria” de Dalí. Estos artistas marcan un referente muy importante en su época, pero en este caso, me gustaría acercarme a artistas norteamericanos de primera fila, muy conocidos también por todos nosotros como pueden ser Pollock, Hopper, Linchtenstein, Oldenburg o Warhol.
Es de Andy Warhol del cual voy a hablaros un poco más. Antes de visitar el museo, me había interesado mucho por las obras de este artista. Creo que la primera vez que vi la “Marilyn” de Warhol, mi mundo dio un giro de 180º. Empecé a perseguir libros sobre la obra del artista y la verdad es que cuanto más veía, más me interesaba, es increíble, pero bueno, juzguen ustedes.
En mi visita al museo tuve la magnífica oportunidad de ver muchos de las obras de Warhol, pero me he decanrado por cuatro de los que son, para mí, los mejores cuadros de Warhol. El primero de ellos es el “Double Elvis”:
Este cuadro de 1963 es una Serigrafía de tinta en la pintura de polímero sintético sobre tela, de 210,8 x 134,6 cm. Sorprende de esta obra su altura, es un tamaño real de Elvis, y la verdad es que es magnífico cómo te atrae este cuadro. Recuerdo que se encontraba a la subida de una de las escaleras de acceso a la tercera planta, y recuerdo mi frase al ver la obra: “Hemos llegado a Warhol”, me emocioné como un niño.
La segunda de las obras (las describo conforme las fui descubriendo en el museo) es “Gold Marilyn Monroe”, espectacular:
Esta obra, realizada en 1962, está realizada con la misma técnica que el anterior y sus dimensiones son 211,4 x 144,7 cm. Me sorprendió respecto a esta obra lo pequeña que es. Según las dimensiones del cuadro, observamos que se trata de un lienzo enorme, pero lo cierto es que sin querer, evitarlo, el artista hace que nos centremos de una manera asombrosa en lo importante de la obra, en Marilyn. ¿Cómo interpreto yo lo dorado de alrededor? Supongo que lo que yo entiendo o observo que el artista quería transmitir es esa estela que dejó esta actriz americana a lo largo de su corta, pero intensa vida.
LA tercera obra de Warhol, la cual no conocía hasta el momento de mi visita es “Orange car crash fourteen times”.
En este caso el artista sigue utilizando la misma técnica, aunque combina dos lienzos notablemente diferenciados. Las dimensiones del cuadro son espectaculares, tal y como observamos en la fotografía. Esta obra me impactó porque aquí comprendí utilizaba la serigrafía en sus obras, creando una repetición espectacular, que hace que te asombre su obra. Pero, sin duda, lo mejor de este cuadro es la expresividad y el color que encontramos en el segundo lienzo, el naranja, asombroso, pero te capta, te atrae. Siempre me queda la duda cuando vuelvo a ver este cuadro (como ahora para hacer esta entrada), de porqué 14 y no 15 o 13, es algo que me encantaría preguntarle a Warhol, yo creo que es algo compositivo, pero, quién sabe.
Por último, pero ni por asomo menos importante, “Campbell’s Soup Cans” es una colección de 32 lienzos de 40.8 x 50.6cm en los cuales Warhol utiliza la misma técnica que en los anteriores. ¿Qué es lo curioso de esta obra? Que aunque no te des cuenta, todas ellas son independientes y un todo a la vez. Es asombrosa la forma en la que cada una de las diferentes sopas forma un conjunto en el que si quitaras una, te faltaría algo, pero sin embargo si te llevas una y la cuelgas en tu salón, llenaría todo el espacio, sorprendente.
He de reconocer que al observar esta maravilla me quedé petrificado, inmóvil, estuve casi 5 minutos quieto, mirándola, me cautivó, este fue el día en el que mi vida dio otro giro de 180º, creando así un giro completo de la misma. Podemos decir que Warhol abrió y cerró una etapa de mi vida.
ANIMAROS A IR AL MoMA, es sencillamente, genial!
PD: las fotografías son todas tomadas por mi, perdonar las que están torcidas, pero a veces los guardias se ponian un poco estrictos y no dejaban tomar fotos, pero me las apañé.
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/11/2010 10:40 | Comentarios (1)
En la penúltima entrada de blog que hice os hablé sobre el gran pintor Edgar Degas, y os hice referencia a que mi interés por este artista fue a raíz de la última vez que visité el Museo de Orsay en París hará así como 3 años. Pues como no podía ser de otro modo me gustaría hablaros del Museo de Orsay, un museo no tan conocido por los visitantes de la ciudad, que se dejan hechizar por el Louvre y el Centro Pompidou. Si bien es cierto que el Museo de Louvre no tiene competencia, artísticamente hablando, con prácticamente ningún museo del mundo, creo fehacientemente que el Museo de Orsay debería tener más reconocimiento del que hoy goza.
El Museo de Orsay, es un museo que se encuentra como ya he comentado en París, y se centra en las artes plásticas del S.XIX, sobre todo por sus obras impresionistas. Cronológicamente vendría a cubrir la etapa que existe entre los maestros antiguos del Museo del Louvre y el arte moderno del Centro Georges Pompidou. Por tanto, es un vértice imprescindible en este triángulo artístico francés.
En cuanto al edificio en sí, comentar que fue una antigua estación de ferrocarriles y que ha sido adaptada perfectamente a las necesidades que exige un museo. La estructura interior es la muy similar a la de cualquier estacion de ferrocarriles europea… cubiertas curbas que cubren grandes luces. Uno de las cosas que más me llamó la atención es el gran reloj dorado que hay a ambos lados del edificio, preciosos.
Las tres plantas en que se divide el edificio albergan una excepcional colección de arte del S.XIX y XX, procedente de diversas instituciones museísticas, ordenada de forma cronológica, y que cuenta con obras impagables de grandes autores de la Historia del arte como Delacroix, Degas, Millet, Manet, Monet, Renoir, Pisarro, Latour, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat o Derain, entre muchos otros ejemplos compuestos por proyectos arquitectónicos, objetos decorativos, dibujos y fotografías.
Aquí os dejo algunas de las obras que pude contemplar en el museo, creo que las imágenes hablan por si solas, pero si no os quedáis convencidos todavía, no dudéis en coger el transporte más efectivo que tengáis al alcance e ir a visitadlo por vosotros mismos, apuesto por la unanimidad de las opiniones… simplemente se trata de un museo “desconocido, bello, por explorar, perfecto…” quizás, si se masificara, perdería ese aspecto tan particular, el de sentir que te muestran las obras únicamente a ti, es increíble.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/11/2010 03:27 | Comentarios (3)
A colación con lo que mi compañero intereotipos posteo el otro día sobre el artiste Guido Daniele y sus increíbles pinturas sobre las manos... he encontrado navegando por la red estas dos imágenes que me han recordado mucho a esa expléndida entrada. Esta vez son utilizadas como publicidad de unos chicles. Espero que os gusten.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/11/2010 03:02 | Comentarios (3)
Con motivo de la práctica sobre el desnudo que hicimos a principio de curso en el que aparecía un cuadro del pintor francés Edgar Degas, concretamente “Mujer tumbada en el suelo”, del que estoy casi seguro de que os acordaréis, he decidido compartir con vosotros algunas de mis obras favoritas de este pintor al cual llevo siguiendo su obra tres años, en verdad, desde que estuve la última vez en el Museo de Orsay de París.
·¿Quién este tal Edgar Degas que tanto me gusta? Un escultor y pintor impresionista francés que realiza obras al pastel y que capta en ellas la sutileza y la belleza de una simple acción.
·¿Qué destaco personalmente de sus obras? Destaco sus obras de ballet, en ellas podemos ver la pomposidad de las telas, las transparencias, el movimiento, la dulzura con que trata cada detalle.A mí particularmente me encanta la obra “Clase de Baile” que pintó en 1875 y que también pude disfrutar en el museo francés del impresionismo por excelencia. De hecho, se le considera como uno de los padres de este movimiento: el Impresionismo, pese a que prefiere las escenas cotidianas antes que la idealización de un paisaje o la naturaleza, hecho que aumenta mi interés por él. No me gustaría pasar por alto una obra escultórica suya que me fascina, una bailarina de bronce que a todos nos conoceremos o por lo menos nos sonará...
Clase de Baile (1875)
·¿Qué obras os recomiendo? Sin duda, la que ya he comentado, pero no es la única. La serie de pinturas de mujeres desvestidas en acciones cotidianas pintadas al óleo (como la analizada en clase) son de gran fuerza expresiva, de colores cálidos y de mucho movimiento… a mí me transmiten mucho. Por otra parte, tenemos los cuadros más “fríos”, con línea precisa, con mucha maestría a la hora de dibujar y representar las cosas… son los relacionados con el ballet, una absoluta maravilla que os invito a ver, si no puede ser en el Museo de Orsay en este blog. Considero que el blog puede servir como herramienta para acercar, en cierto modo, ese arte que a veces está tan lejos.
Espero que os haya gustado este artista, que si no lo conocíais, ya lo conocéis, así que incorporarlo en la memoria RAM de la cultura artística, que de verdad que vale la pena. ¡Disfrutad del arte mientras podáis!
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 24/11/2010 02:20 | Comentarios (1)
¿Cómo hacer un viral y no fallar en el intento? Utilizando señoras que hablan sobre las redes sociales. Y Sony Ericsson lo sabe, por eso ha sacado este último vídeo parodiando a aquellos que están todo el día enganchados a Foursquare, una red social que sólo le interesa a la madre de aquellos que la utilizan.
No sé qué opinaréis pero yo me desorino con la señora, “fue escuchar que podía ser alcaldesa y el subidón que me dio ¡con lo que a mí me gusta mandar!”
Sony ha sacado la Bloggie Touch, una cámara cuya ventaja es compartir vídeos fácilmente por Internet. Ha buscado perfectamente a su público haciendo una acción online, similar a un vídeo blog. El protagonista contará su su vida diaria subiendo un vídeo cada 20 minutos durante 12 horas.
Preveo gran éxito de esta campaña porque ridiculiza a los "modernos", que tanto auge han tenido en los grupos de Facebook. Hasta el nombre de “Experimento Sociocreativo” le viene que ni al pelo a los mismos. Lo mejor es que no perderá la audiencia de esta raza urbana porque se caracterizan por negarse a pertenecer a ella. Seguro que tú también conoces a alguno, lo identificarás porque ha dejado de usar su MAC para volver al PC y ser retro.
Jorge Martínez, socio de la agencia de comunicación Germinal, se quedó impresionado al ver unas fotos de que había realizado Juan Carlos Tomasí, fotógrafo de Médicos Sin Fronteras. Estas fotos mostraban a unos “enfermos olvidados” es decir, personas que tenían enfermedades que se pueden tratar, pero no tienen acceso a medicamentos. Así fue cómo surgió crear unas pastillas que pueda tomar la gente que sí puede acudir a la farmacia y que sirvan para curar las enfermedades de aquellos que no pueden.
Lo mejor que la campaña no se queda en un simple spot, sino que las pastillas realmente se venden a 1€ en las farmacias. Realmente son 6 caramelos mentolados simbólicos cuyos beneficios se destinarán al diagnóstico y tratamiento de enfermos olvidados.
Por si fuera poco está protagonizada por el recién fallecido Luis García Berlanga, cuya coincidencia con el lanzamiento de la campaña se me antoja macabra. Pero otros famosos también colaboran con esta idea: Pilar Bardem, Andreu Buenafuente, Cayetana Guillén Cuervo, Eduard Punset o Ferrán Adriá son algunos de ellos.
Ver esta campaña y que no se te meta arena en los ojos es casi imposible.
Este es el impresionante aspecto del nuevo centro de arte situado en Vilna (Lituania) y que albergará piezas de las colecciones Guggenheim de Nueva York y Hermitage de San Petersburgo.
No hace falta saber mucho, y nada, de arquitectura para ver que el edificio en sí ya es una gran obra de arte. El encargado de tal maravilla de la arquitectura es el estudio iraquí Zaha Hadid Architects que fue elegido a través de un concurso. Las señas características son la fluidez, el movimiento y la luminosidad. El edificio, con líneas curvas que parecen predominar en las obras de este estudio y grandes rasgos futuristas emerge como si flotase desafiando la gravedad.
Keith Haring es el grafitero más famoso de la década de los 80 (seguro que muchos reconoceréis la obra) que con un rotulador negro, una tiza blanca y mucho talento transformó sus dibujos en obras de arte mundialmente reconocidas. Dibujos con una temática variada que abarcaba todos los asuntos sociales imaginables.
Nació el 4 de mayo de 1958 en Reading (Pensilvania, EEUU), y desde muy pequeño mostró su interés por el dibujo y por la estética de los cómics que le influyó, así como los dibujos de Walt Disney.
Estudió en la Facultad Ivy de Arte de Pittsburgh, pero esta no le convenció y la abandonó por que él tenía otra forma de ver las cosas. Así que, se trasladó a Nueva York, estudió en la Escuela de Artes de Nueva York y allí se desarrollo como artista influenciado por Keith Sonnler y Joseph Kossuth.
Comenzó a pintar sus grafitis por las paredes de la ciudad, por vagones y estaciones de metro (acto que le costó más de un arresto); incluso pintó tazas, gorras y camisetas que vendía en la tienda que el mismo abrió en 1986 “Pop Shop”. Dibujos fáciles de identificar por sus esquemáticas figuras y animales que reflejaban el amor y el sexo, denunciaban la violencia y el racismoo alertaban sobre el SIDA, enfermedad que le atrapó cuando sólo tenía 31 años. Un año antes de morir crearía su propia Fundación, que lleva su nombre, y que en la actualidad se vuelca en acciones de prevención del sida.
De la mano de Jean-Michel Basquiat y su pareja Andy Warhol, entró en el ambiente de la alta sociedad neoyorquina y pronto llegaría a codearse con artistas ya consagrados. Fue tal la popularidad que alcanzó que pronto comenzarían a subastarse sus peculiares obras obras.
Gracias a este video he descubierto otra forma ver el Guernica de Picasso. Estamos acostumbrados a ver la obras de arte planas, aquí os dejo un vídeo que nos muestra el Guernica en 3D. Un gran trabajo.
La exposición Jardines Impresionistas, que se está llevando a cabo en el museo Thyssen-Bornemisza, se trata de una muestra monográfica del impresionismo sobre jardines desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX, organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid en colaboración con la National Gallery de Edimburgo.
Entre la sobras, más de ciento treinta, veintidós pertenencen a la misma Colección Thyssen, repartidas entre las salas del Museo Thyssen‐Bornemisza y la Fundación Caja Madrid. Se encuentran pinturas de: Monet, Paul Cézanne, Berthe Morisot, Camille Pissarro, John Singer Sargent o Édouard Manet, Marie Bracquemond, James Tissot o Fritz Schider, Renoir, Manet, Soroya, Regoyos o Anglada Camarasa, entre otros.
Gracias a la introducción de cientos de plantas y especies de flores nuevas procedentes de Asia, Africa y América, así como a la inauguración de los parques reales, los jardines gozaron de gran popularidad en Francia desde la década de 1860. Con su gusto por el color, los efectos al aire libre y los temas de la vida moderna, los pintores impresionistas y sus seguidores no fueron ajenos a esa tendencia y volvieron su mirada, de forma natural, hacia los jardines en busca de inspiración.
La exposición permanecerá hasta el 13 de febrero de 2011.
En estas imágenes os muestro el trabajo de Guido Daniele, uno de los muchos artistas poco comumes que utilizan el cuerpo (el ya conocido bodypainting), y éste en especial las manos, como lienzo.
Handimals es lo que él llama a las las manos pintadas que dan forma a diversos animales. Daniele ha trabajado como ilustrador hiperrealista, cooperando con empresas de publicidad, innovando con aerógrafos y probando diferentes técnicas de pintura. Ha pintado telones de hasta 400 metros cuadrados de tamaño, casas particulares y edificios públicos. Su trabajo ha sido utilizado en imágenes publicitarias y comerciales, así como eventos de moda y exposiciones.
Hay artistas que se sienten inspirados por materiales cotidianos, colores y formas que encuentran en su entorno, como por ejemplo, los libros usados y las marcas que se quedaban en ellos tras haber sido usados. Aquí os dejo varios artistas que transforman los libros en interesantes y bellas esculturas:
Escultura de Jacqueline Rush Lee
Jacqueline Rush Lee es un artista y escultor que aúna de una forma casi de fantasía arte y literatura. Deforma los libros hasta crear composiciones con formas más que interesantes.
Escultura de Jacqueline Rush Lee
Otro escultor que me ha parecido interesante es Robert The, que crea composiciones más reconocibles, una pistola, un escorpión o una soga. Corta y recorta los libros hasta encontrar la forma que busca.
Esta mañana me he encontrado en el Magazine del periódico con que una de las próximas exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza será la que dedicará al pintor realista Antonio López (Tomelloso, 1936). Aunque todavía queda mucho, pues la exposición está prevista para el próximo verano, en un principio del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011 me llena de alegría el saber que esta exposición está relativamente cerca.
La muestra incluirá una completa representación de la obra del artista español, tanto óleos como dibujos y esculturas de algunos de sus temas más habituales, como son los interiores o la figura humana, sus paisajes y vistas urbanas, principalmente de Madrid. Antonio López busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos susceptibles de ser retratados en su obra, y lo hace con una elaboración lenta y meditada, buscando captar la esencia del objeto o paisaje representado.
Este genio me cautivó con su pintura de la Gran Vía madrileña. Es uno de mis cuadros favoritos y uno a los que guardo más cariño. Tanto su contenido sentimental como artístico me conmueven y enamoran. Quizás una cierta melancolía a la época en que viví en Madrid, a sus luces en Navidad, a sus acaloradas tardes de verano, a sus interminables paseos de arriba y abajo, sus tiendas, sus restaurantes, su peculiaridad, su cosmopolitismo y gentes variopintas, todas las historias que es inevitable vivir en esta calle y sus alrededores, Sol, Chueca, Malasaña, Tribunal, quizás por todo esto y mucho más la siento mía y me siento suyo. Y sin ninguna duda su bohemia y encanto, al menos para mí, nunca se podrán comparar con ninguna otra gran calle europea. Creo que Antoni López supo plasmar a la perfección el espíritu y el "Madrid castizo" de ayer y moderno de hoy que la Gran Vía me transmite.
Las imágenes que os dejo ven en este artículo son obra de Roberto Bernardi, un artista hiper-realista italiano. A simple vista podemos pensar que son fotografías tomadas en alta resolución pero si os fijáis podeis ver que cada una de las imágenes son cuadros pintados con muchos detalles realizados sobre lienzo. En mi opinión son brutales. Sus temas, que me recuerdan a mi adoradísimo 'POPular art' de Andy Warhol, sus colores y su reflejos me transportan a la dimensión de la obra. Se trata de uno de mis pintores vivos favoritos. Desgraciadamente es muy poco conocido en nuestro país y nunca ha realizado ninguna exposición dentro de nuestras fronteras. Conocí a este genial artista en una exposición en la Abermale Gallery de Londres en 2008 y desde entonces no he podido evitar seguir su obra a través de Internet y de alguna revista. Actualmente no tiene ninguna exposición abierta pero en su página web confirma que pronto volverá a exponer, esta vez en Nueva York. Mi obra favorita es la de los platos mojados y el grifo abierto, ¿y la vuestra? Os invito a que entréis en el otro mundo de este increíble artista, a que lo conozcáis más a fondo y a que os dejéis capturar por su talento porque a mí nunca deja de impresionarme.
Lego tambíen se ha atrevido a meterse en el mundo del cine, la música y diversos acontecimientos sociales e históricos... algunos son momentos felices, otros no tanto, pero todos están clavados en nuestras retinas y quizás verlas con las figuritas de Lego nos anima a darle otro punto de vista a estas situaciones tan difíciles.
¿Qué os parece? ¿Impresionante no? ¡Espero que los disfrutéis!
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 22/11/2010 01:38 | Comentarios (1)
¿Quién no ha jugado alguna vez con unos Legos? Te gusten más o menos, todos conocemos la gran marca danesa de piececitas de plástico interconectables con las que creábamos todo aquello que volaba por nuestra imaginación. Pues por la cabeza de estos publicistas, gente con mucho tiempo libre o simplemente personas con imaginación han pasado todas estas genialidades... supongo que algunas las conoceréis, otras no, pero espero que paséis un rato divertido viéndolas, aquí os las dejo:
Las primeras son las que he relacionado con el arte, desde Raffaello, Munch, Leonardo Da Vinci, Van Gogh... hasta el mismísimo Andy Warhol.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 22/11/2010 01:19 | Comentarios (1)
En este anuncio se observa una clara influencia del arte sobre la publicidad. Ese juego de luz y sombra que presenta la imagen es característico del "tenebrismo". Éste estilo destaca por el violento contraste entre luces y sombras mediante una forzada iluminación. Es muy evidente cuando se hace llegar unfoco de luz marcando una diagonal en la pared del fondo. Su principal figura es Caravaggio. Una de sus obras más importantes es "La flagelación de Cristo".
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 22/11/2010 00:35 | Comentarios (1)
No cabe duda de que los de Sony tienen un estilo propio en sus campañas de publicidad. En esta ocasión, el anuncio de playstation es obra del fotógrafoGerhard Merzeder.
Está basada en la obra “Gabrielle d’Estrées con la duquesa de Villars en el baño de Jean Cousin el Joven” deMusée du Louvre. Es unapintura manierista francesa del alto renacimiento en el siglo XVI.
Os dejo el link donde podréis encontrar otros anuncios de playstation que a mí personalmente me encantan.
Siguiendo con el tema de la publicidad os dejo otros ejemplos:
Se trata de unos anuncios de Volkswagenpara publicitar su tecnología 4Motion en sus vehículos comerciales, de tracción total. Se basa en los dibujos de Escher.
No es la primera marca de coches que lo hace, pues elAudiA6yarealizó un anuncio con figuras y escenas imposibles.
El Wildlife Photographer of the Year, premio de fotografía de naturaleza más prestigioso del mundo organizado por el Museo de Historia Natural de Londres y la revista Wildlife Magazine de la BBC, ha sido para la imagen titulada La maravilla de las hormigas del húngaro Bence Mate. Impresionante imagen si duda.
En lo referido a la publicidad, son muchas marcas las que se valen de recursos artísticos para darse a conocer y vender sus productos. Un buen ejemplo de ello es la marca de vodka Absolut, que hace referencia en sus imágenes a muchos cuadros y obras de artistas reconocidos.
Los anuncios de Absolut tienen una campaña de publicidad desde hace más de 20 años, y han sido creados siguiendo la misma estructura y línea de comunicación. A continuación os propongo algunos de los ejemplos que más me han llamado la atención.
En este caso, la forma de la botella imita los mosaicos en el parque Güell del gran maestro Gaudí.
La figura de Marilyn Monroe, un clásico del cine. Y es que, ¿quién no conoce esta
imagen de Marilyn sobre las rejillas del metro con las faldas al vuelo?
En esta imagen los cuadros han pasado a ocupar las pantallas gigantes de Times Square. Una buena forma de mostrar el arte, ¿no creeis?
Francesco Clemente es un pintor y artista italiano, y uno de los mayores representantes del transvanguardismo europeo. Su obra se puede visitar en el Guggenheim de Bilbao, el MoMA de Nueva York o la Tate Gallery en Londres, entre
otros.
Volvemos a hablar del cine con Alfred Hitchcock, uno de los cineastas más importantes de todos los tiempos. Es conocida su representación a través de una silueta, de ahí la imagen de Absolut.
Keith Haring fue un artista cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de Nueva York. Tiene un estilo propio y muy personla, lo que hace
que sus imágenes sean reconocidas con facilidad.
Andy Warhol fue artista plástico y cineasta. Tuvo mucha influencia en el nacimiento del pop art. En este caso, Absolut ha utilizado el mismo recurso que Warhol en el cuadro de Marilyn.
Si analizamos bien la imagen, la serpiente hace clara referencia al paraíso de Adán y Eva, un tema muy tratado en historia del arte por distintos artistas. El cuadro de la derecha es obra del alemán Alberto Durero. Para mí, éste es uno de los más curiosos porque hay un juego entre el nuevo sabor a pera que anuncia Absolut y la manzana prohibida de Adán y Eva.
Lo que más sorprende de estas dos imágenes de Absolut es el gran parecido que han logrado en relación a los verdaderos cuadros de Dalí.
Sars
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 19/11/2010 18:04 | Comentarios (3)
Dado que aún no se ha hablado del arte de la escultura en este blog, he creido conveniente hacerlo, y que mejor escultor para ello que Ron Mueck.
Este, de origen australiano, es un escultor que trata de reproducir de la manera más fiel posible la realidad, pudiendo así crear confusión entre lo que es real y lo ficticio. Aunque para evitar este hecho utiliza escalas o muy grandes o muy pequeñas, provocando de esta manera, que su escultura sea mucho más espectacular.
Me parece que hace un trabajo magnífico, sobre todo en lo que a los detalles se refiere, no se deja ni uno solo del cuerpo humano. Podemos decir, que es un gran conocedor de la antomía del ser humano.
De momento no he tenido la oportunidad de ver ninguna de sus obras, pero es algo que tengo pendiente.
Os dejo aquí una cuantas fotografías que muestran perfectamente la calidad de su trabajo.
Y aquí os dejo la secuencia fotográfica del proceso que realiza para conseguir el efecto de estas esculturas tan impresionantes.
Navegando por la red he encontrado muchas cosas interesantes relacionadas con el arte, pero lo cierto es que lo que he descubierto que se puede hacer con un par de huevos, es increíble. Judguen ustedes!
¿Quién dijo que los huevos no podrían ser cómodos?
Y por último, mirar qué faenon!
Creo que a partir de ahora cada vez que os hagais una tortilla pensareis qué tipo de uso le podríais dar a ese huevo....
¿Quién se iba a imaginar que el nacimiento de Venus de Sandro Botticelli podría ser utilizado para hacer un anuncio de Levi's? Pues si queridos bloggers, Levi's utilizó este magnífico cuadro para una de sus campañas publicitarias, y la verdad es que los 501 Old Blue no le sientan nada mal a la Venus. Aunque creo que me quedo con el cuadro original.
Siguiendo con los articulos que relacionan el arte con la publicidad, hablaré en este caso de un polémico anuncio de Martini. Tal y como podemos observar en la fotografía han escogido un cuadro del Greco para anunciar esta marca de bebidas. La imagen, que resulta un tanto grotesca, nos intenta acercar a un "Caballero con la mano en el pecho" de 1580, con la unica intención de hacernos ver que ya en aquel entonces existia la resaca... mirar que gafas le han puesto al pobre, pero bueno, todos somos humanos!
Esta semana estoy muy comprometido con subiros las mejores fotos de mi colección de viajes y quizás por eso os bombardeo todos los días, ya que me parece interesante poder compartir estas cosas con vosotros. Esta vez, las fotos no son bonitas o con una intención artística como tal vez busqué en la de los anteriores post.
China como todos sabemos es un país de contrastes, además, de contrastes MUY marcados. La gente que es rica es millonaria, y la gente pobre es paupérrima. Las diferencias sociales están muy marcadas, las ciudades son muy diferentes de unos barrios a otros, la comida, la higiene, hasta las gentes...
Sin embargo, no deja de ser un país muy muy interesante de visitar, que está lleno de sorpresas, o por lo menos yo las encontré. Se trata de una cultura milenaria, cuyas obras escultóricas o pictóricas difícilmente las podrás observar allí, ya que la mayoría de su arte se haya repartido por todo el mundo... esto es algo positivo para nosotros, porque uno no está dispuesto todos los días a perder 24h viajando de aeropuerto en aeropuerto. Eso sí, arquitectura típica la hay y mucha... desde las primeras construcciones, templos, monumentos religiosos... hasta los más actuales: los rascacielos. China se está convirtiendo a pasos agigantados en un gran exponente en el mundo de la Arquitectura, cada vez hay más arquitectos importantes nacidos en el país del Sol Naciente y más arquitectos internacionales que desean trabajar en sus megaciudades.
Para comenzar con las fotos, primero os quiero enseñar una fábrica donde realizaban jarrones a mano. Fijaos en la precisión y maestría que tienen esas manos... un arte no reconocido generalmente, pero que espero que desde hoy, los alumnos de Peggyisthequeen podamos apreciarlo. Pensemos que no sólo existe el arte que realizó Picasso, Leonardo, Van Eyck, Velázquez... si no que existen pequeñas personas que con pequeños medios crean grandes obras...
Otra de las cosas que me llamó la atención son las botellas de refresco, de agua y otros "potingues" que realizan. Todos sabemos que los chinos tienen otra escritura... ¿Pero nos imaginamos como es Mc Donald's o Coca-Cola en China? Gracias a estas fotos podréis verlo...
La Arquitectura China es, como ya he dicho anteriormente, una arquitectura de contrastes: lo más nuevo junto a los más antiguo... lo más tecnológico junto a andamios de bambú... toda una paradoja bastante curiosa e injusta al mismo tiempo.
Esta es otra foto que me encanta. Fue realizada desde un barquito que te llevaba por "la Venecia de Oriente"... un pueblecito de nada más y nada menos que 4 millones de habitantes (pensad que para ellos eso son ciudades normales jajaja) que estaba todo lleno de agua... ¿Eran canales como en Venecia o Amsterdam? NO, para nada... simplemente China creó no hace mucho la presa más grande del mundo, creando muchas "Venecias" en su territorio, es decir, pueblo cercano a la presa, pueblo anegado por el agua. Sus habitantes tienen que limitarse a acostumbrarse a su nueva situación de vida... increíble.
Otra sorpresa: Lo español también se lleva por tierras lejanas.
Aquí os dejo dos escenas: por una parte un niño que, obviando su extraño look, tiene un semblante cansado, triste, rodeado de gallinas enjauladas y suciedad, que se limita a jugar con un recipiente lleno de agua y frutos. En cambio, la segunda imagen representa a un niña feliz, ingenua, llena de vida... Quizás los semblantes tendrían que estar al revés, ya que no hay que olvidar que el régimen chino favorece antes a los varones, relegando a las mujeres a un segundísimo plano y a tareas del hogar...
Espero que os haya gustado mi selección de fotos del viaje a China y que os haya picado un poco la curiosidad para ir a visitar este inmenso país. Recordad una cosa, el arte más puro lo forman las gentes, las acciones que realizan cada día, sus expresiones y detalles... sin conocerlos, nos es imposible apreciar esos detalles de los que os hablo.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 19/11/2010 03:25 | Comentarios (2)
Un atardecer es un arte efímero que acaba con el día, pero tienes la certeza de que al día siguiente podrás disfrutar de él de nuevo, nunca verás dos puestas de sol iguales. Es una de las cosas que más me gusta observar y si puedo compartirlas con la gente a la que quiero... esos minutos se convierten en los mejores del día. De vez en cuando echar un vistazo por la ventana de vuestra habitación, quizás os llevéis una grata sorpresa que habíais tenido delante de vuestros ojos toda la vida y que habíais visto pero no contemplado. Concretamente estas fotos son de Santorini (Grecia) donde los crepúsculos simplemente te dejan sin palabras.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 18/11/2010 02:14 | Comentarios (3)
El pasado puente de Octubre tuve la oportunidad de pasar cinco días por tierras holandesas, concretamente en la ciudad de Amsterdam. Es una ciudad completa, y para gente de todas las edades, sobre todo jóvenes todo sea dicho. Como elemento principal de la ciudad, y algunos pensarán que es el cannabis o el mundo erótico, me gustaría destacar el agua. Sí, el agua... como un elemento tan sencillo ha conseguido crear una ciudad tan completa en torno a una serie de canales concéntricos que te dan estampas tan bellas e inolvidables como las que pude capturar con mi cámara. Para mí es todo un placer compartir con vosotros estas fotos, espero que las disfrutéis y me comentéis cual de ellas os gusta más.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 18/11/2010 01:47 | Comentarios (2)
Por todos es conocido Amsterdam como la ciudad sin leyes, de la felicidad, de la droga y la prostitución... pero hay algo más. La arquitectura existente en Amsterdam es impresionante, aunque de vez en cuando te encuentra una muesta de esa "libertad" que destroza por completo las visuales de un canal... como en el caso de la fotografía.
¿Qué se le pasó por la cabeza al arquitecto para tener tan poco gusto?Supongo que todos os habreis percatado de esa "mancha" azul turquesa radioactivo colocada entre dos edificios centenarios de piedra. A mi personalmente no me gustó el edificio, además de poco vistoso, resaltaba excesivamente... un desastre a mi parecer. Mi idea es la de que opineis y debatamos sobre la idea.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 18/11/2010 01:19 | Comentarios (2)
A estas alturas de la película, si alguno de los estudiantes de segundo de Arquitectura no conoce el Pabellón de Barcelona del gran maestro Mies van der Rohe, sinceramente se podría replantear qué es lo que realmente está haciendo en la Escuela. Como todos sabemos, dentro del Pabellón de Mies, del cual no voy a hablar, por lo menos en este post, nos encontramos una escultura muy peculiar.
La escultura es una reproducción en bronce de la que con el título de Amanecer realizó Georg Kolbe, artista contemporáneo a Mies van der Rohe. Está magistralmente situada en un extremo del estanque pequeño, en un punto donde no solamente se refleja en el agua sino también en el mármol y en los cristales, dando la sensación de que se multiplica en el espacio y contrastando sus líneas curvas con la pureza geométrica del edificio.
La pregunta que me formulo... ¿Cómo puede haber gente que piense que el arte no es divertido? Pues yo aquí pasé grandes ratos con miembros de este blog comportándonos como niños y disfrutando de otro modo ese arte que a veces aparece como algo muy formal... pues NO compañeros, os animo a disfrutad de las obras de arte, distorsionarlas sin dañarlas, vivirlas desde muchos ángulos no sólo el convencional. Si hiero la sensibilidad artística de algún enamorado de Georg Kolbe, le pido disculpas, pero pienso que es un interesante post que anima a precisamente lo que he comentado: Disfrutad del arte, disfrutad de la vida que son dos días !
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 18/11/2010 01:00 | Comentarios (4)
Como aportación publicitaria relacionada con el arte, no podría dejar escapar esta secuencia de apenas 25 segundos tan sumamente dulce. Simplemente al ver el cuadro de La Gioconda con la cara de ese bebé tan adorable no pude evitar compartirla con vosotros. En cuanto a los bebés... juzgad vosotros mismos, ¿No son adorables?... Disfrutad del anuncio y no olvideis que el Arte se encuentra hasta en los sitios más insospechados.
El siguiente de mis viajes fue a Italia, en el verano de 2008. Allí visite la parte de la Toscana, yendo a ciudades como Florencia, Pisa, Siena, Padua, Milán, Verona, Sirmione, San Gimignano,Venecia y Lucca.
Y es precisamente de estas dos últimas poblaciones de las que he querido mostrar las fotografías que realizé.
La primera, muestra la esencia de Venecia, sus canales, que dan a la ciudad, a mi parecer, un aire romántico. Debe ser fantástico salir al balcon y tener un canal a tu pies, solo escuchar el sonido del agua, o simplemente salir de tu propia casa y coger una barca.
La segunda fotografía que quiero mostrar de mi viaje es la que realizé en el interior de la Catedral de San Martino en Lucca. Como curiosidad añadir que se construyó después de su campanario, de ahí su fachada asimétrica.
La fotografía fue realizada desde el interior ya que me pareció bonito el contraluz que provocaba la luz al filtrase por la sábana que cubría la entrada de la catedral. Por otra parte, es una pena el desenfoque de la foto, aunque a su vez crea un efecto diferente al resto de fotografías.
A continución inicio la primera entrada de cinco que vendran más adelante donde mostraré algunas de las mejores fotografías realizadas en cada uno de mis viajes.
De esta manera, comienzo con el viaje que hice a Suiza en el verano de 2007.
Fue un bonito viaje y una de las fotos que más me gustó fue la que realizé en el Castillo de Chillon, a orillas del lago Leman en la comuna de Veytaux. Me gustó especialmente por el color del agua del lago, que durante todo el viaje bañó nuestros paisajes, y por la vista aérea que se conseguía de los faldones desde la torre más alta del castillo.
Como curiosidad, decir que este castillo está catalogado como monumento histórico de Suiza, ya que fue una importante edificación defensiva ya en la Edad de Bronce, y parte de la zona más antigua del edificio es de estilo gótico del siglo XIII.
Sabemos que se puede hacer arte con casi cualquier cosa, pero, ¿Podemos llegar a hacer arte con las plantas?
Pues sí que existe este arte y se llama poda ornamental o topiaria. Consiste en dar a un arbusto una forma determinada mediante el recorte de sus ramas. Está considerada una técnica artística por que el resultado son verdaderas esculturas vivas, es grande el esfuerzo y trabajo que hay que poner en ella para conseguir resultados tan asombrosos.
Este tipo de poda es muy característico en los jardines geométricos formales y en los jardines japoneses. En muchos casos, constituyen verdaderas obras de arte escultóricas.
Os dejo con algunos de estos extraordinarios ejemplos:
Martin
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 16/11/2010 00:41 | Comentarios (3)
Hace relativamente poco descubrí el conocido grupo de música Coldplay, nunca los había oido y ahora no puedo dejar de escucharlos. Además, mi sorpresa fue mayor al descubrir poco después este gran videoclip, una obra de arte para mí personalmente.
No quiero adelantar nada de este clip y que sea una sorpresa para vosotros como lo fue para mí. Solamente destacar el laborioso trabajo que debieron llevar a cabo para su realización.
Las pinturas de Dalí son muy atractivas para el espectador, ya que transmiten un surrealismo propio de los sueños, que incita a pararse y observar las obras detenidamente. Por ello, Dalí siempre es un recurso eficaz en la publicidad, ya que además de la curiosidad que genera, muchas de sus obras son conocidas por gran parte de la gente, sobre todo el cuadro de los relojes derretidos, “La persistencia de la memoria”. Es este cuadro el que ha utilizado una cadena de restaurantes, “Mirador”, así como la famosa marca de aparatos electrónicos "Apple", para promocionar sus conocidos “ipods”, o la cadena de comida rápida "Pizza Hut".
Sin embargo, la marca de vodka “Absolut”, también se suma a esta corriente, aunque sin utilizar la misma obra que los anteriores.
Por último, mostrar una imagen que aunque no ha sido utilizada en publicidad me parece curiosa, se trata de un montaje realizado con uno de los cuadros de Dalí y una cadena de comida conocida por sus famosas rosquillas, “Dunkin Donuts”.
En cuanto a publicidad me ha parecido muy interesante este anuncio que he encontrado de una compañía aérea, que trata de promocionar la nueva ruta aérea entre Sidney y Nueva York. De esta manera, se intenta fusionar las primeras ideas que nos vienen a la mente al pensar en en estas dos ciudades, La Opera de Sidney, y lo que llamamos “La Gran Manzana” de Nueva york.
Me parece una idea magnífica y original que transmite muy bien el mensaje que se pretende. Además, se crea un anuncio simple, pero contundente, que en definitiva es de lo que se trata.
La sala Duveen, que alberga la colección del Partenón en el British Museum de Londres, fue construida en el año 1938 por el arquitecto John Rusell Pope, pero en el año 1940 fue dañada por una bomba en los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, reconstruyéndose y abriéndose de nuevo al público en el año 1962. Esta sala contiene la mayor exposición del Partenón de todo el mundo, conteniendo gran parte del friso, las metopas y el frontón de este templo griego.
Como ya sabéis, el friso del Partenón es un friso jónico de 160 metros de largo que rodeaba la parte superior de la cela de este templo en Atenas. Está realizado en bajo relieve con mármol pentélico.
Fue esculpido aproximadamente entre los años 443 y 438 a.C. muy probablemente bajo la dirección de Fidias como ya hemos visto en clase. Sobreviven unos 128 metros del friso original, alrededor del 94%.En la actualidad, el 37,5% del friso se encuentra en el Museo Británico; el resto (48%) está en el Museo de la Acrópolis de Atenas y el último 14% se reparte entre otros museos.
El tema del friso jónico del Partenón (como ya sabéis existía uno dórico interior) es la “Gran Panatenea”, una procesión que se realizaba cada cuatro años en Atenas en la que las atenienses se entregaban y ofrecían a la diosa. Puede considerarse la escena de la manera siguiente: conducido por los magistrados avanza un cortejo donde figuran los caballeros y los soldados en armas, los ciudadanos, los músicos, así como las portadoras de ofrendas seguidas por los animales de sacrificio. El cortejo se dirige hacia la Acrópolis y la asamblea de los dioses.
La composición del friso varía según la parte. Hay zonas con una composición más abigarrada y otras más vacías y más dispersas. Además también aparecen algunos dioses a los que intentan individualizar dándoles sus rasgos característicos a cada uno.
La búsqueda griega de la perfección es algo que ya conocía y en cambio es lo que más me ha sorprendido de este friso. A pesar de ser unas esculturas realizadas para decorar un friso y ser vistas desde una gran altura está cuidado cada pequeño y minúsculo detalle como podéis observar en las fotografías. Los pliegues de las ropas, las arrugas en la piel y las venas y los huesos marcados en los caballos las hacen figuras llenas de vida y dignas de ser contempladas a un excaso metro de distancia.
De todas las metopas del Partenón se conservan muy pocas y de todos los temas las que mejor se conservan son las que pertenecen a la Centauromaquia (lucha entre humanos y centauros). Los centauros (mitad hombre mitad caballo) representan una civilización irracional. El enfrentamiento entre centauros y humanos representa el enfrentamiento entre persas y griegos, entre lo racional y lo irracional.
Las metopas son altos relieves que parecían casi esculturas separadas del fondo y estaban pintadas de colores muy vivos. De todas las que han llegado a nuestros días la que mejor se conserva es “Centauro y lapita” también las galerías del Partenón del British. Tanto en esta metopa como en el resto se intenta encajar las figuras de la forma más simétrica y equilibrada posible. Se representa cierta expresión en los rostros y se cuidan la anatomía y los detalles (pliegues de la piel, venas y músculos a pesar de que el punto de vista también esté lejano). El naturalismo gana a la abstracción.
En cuanto al frontón (en este caso el oriental) representa el nacimiento de la diosa Atenea. Aparece el momento en que Hefaistos (dios guerrero del Olimpo) ayuda a Zeus a sacar a Atenea de su cuerpo con un hachazo en la cabeza.
Para que las figuras encajaran en el frontón de forma triangular se hizo que las figuras adoptaran unas posiciones y actitudes determinadas. Además, las figuras del frontón eran de bulto redondo (es decir, no eran relieves) y después se engarzaron a la pared del frontón.
Me llama mucho la atención el tratamiento de los pliegues de la ropa consiguiendo un efecto casi de claroscuro. Las figuras femeninas están vestidas pero la tela se pega al cuerpo y queda vista la anatomía de la figura (técnica de los paños mojados) y en cambio la figura masculina aparecía desnuda. Esto se debía tanto al hecho de que la mujer estaba relegada a un segundo plano en la sociedad como al hecho de que la técnica de representación del cuerpo masculino estaba mucho más estudiada mientras que la de la figura femenina era casi desconocida.
Espero que os sirvan tanto los textos como las fotos para haceos una idea de cómo fue el Partenón en su día y ¿por qué no? para aprobar el examen sufridos alumnos!!! Saludos y que el arte os cace.
Además de dejarme dolorosamente media paga en las más que genialísimas tiendas de Oxford Street y del par de pintas de más en el tipiquísimo mercado de Covent Garden mi viaje a Londres dio mucho más de sí. Lo sé mis queridos bloggers, no paro de hablar de esta atractiva ciudad (y lo que me queda), pero es que no puedo evitarlo, Camden, Hyde Park, la moda, el Thames, el cosmopolitismo, el pintoresquismo y la interculturalidad que te hace sentirte ciudadano del mundo me vuelven loco.
Hoy posteo para hablaros del British Museum. Es probablemente uno de los pocos museos del mundo dedicado exclusivamente a antigüedades (por ejemplo, el Louvre de París también contiene arte moderno) y es la mezcla perfecta entre arquitectura, cultura , un breve paseo por la tienda de regalos y una buena comilona en el restaurante de la planta de arriba, que como podéis observar en la fotografía, es una auténtica maravilla. Sobre el restaurante no puedo comentar nada, los precios espantaban a la mayoría de los turistas que se asomaban por allí y me vi obligado a comer en el barecito de abajo, ya sabéis, las compras en Oxford St.
El aspecto actual del museo es el resultado de varias remodelaciones. En 1852 el arquitecto londinense Robert Smirke diseñó el edificio de estilo neoclásico. La construcción de la sede del museo finalizó en 1857 con la construcción de la impresionante Sala de lectura circular con la que podéis deleitaros en la fotografía. En su fachada principal, en el frontón, se instaló en el año 1852 un conjunto escultórico construido por el escultor británico Richard Westmacott.
Una de las últimas ampliaciones del Museo Británico se inauguró en diciembre de 2000. Se trata del Gran Atrio de la Reina Isabel II. Ubicado en el centro del museo, está diseñado por el estudio del arquitecto Norman Foster. El Gran Atrio se ha convertido en la mayor plaza cubierta de Europa (90 x 70 metros). El techo del atrio es de cristal y acero, y está compuesto por 1.656 pares de cristales. En el centro de esta estancia se encuentra la anteriormente citada Sala de lectura. El edificio me dejó "BOQUIABIERTO", lo antiguo y lo moderno se funden de manera sorprendente dándonos la sensación de ser la parte de un todo, un mismo bloque pensado y diseñado por un mismo arquitecto en un margen de, alucinantemente, de casi doscientos años. En cuanto a la limpieza de la luz, no tengo palabras, juzgad por vosotros mismos.
El British alberga la mayor exposición de arte griego del mundo y la segunda de arte egipcio (después del Museo Egipcio de El Cairo). Pocos días antes habíamos estado estudiando con Peggyisthequeen el Partenón de Atenas y cuál fue mi sorpresa que la mayor exposición del mundo sobre este templo griego se encuentra en el British. A continuación os contaré mi experiencia con la antigua la diosa de la sabiduría, la estrategia y la guerra justa. Y por cierto, la entrada al museo es gratuita.
Os lo repito, ¡VISITAD LONDRES! Vuelos con 'Ryanair' desde SIETE euros.
¿Puedes llegar a emocionarte con un anuncio de un refresco? Aquí tienes la respuesta. No basta con ver el anuncio o las imágenes... si no que cada vez que lo veo descubro frases totalmente ciertas e increíbles que muchas veces tomo como mías para poder seguir adelante, para luchar por lo que quiero y los que quiero, para no derrumbarme ni preocuparme por cosas sin valor...
"Al final, de las cosas que te vas a acordar, son de las cosas buenas. No te entretengas en tonterías, que las hay, y vete a buscar lo que realmente te haga feliz; que el tiempo corre muy deprisa".
¡ESTAMOS AQUÍ PARA SER FELICES!
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/11/2010 02:37 | Comentarios (2)
Aquí otro ingenioso anuncio. Esta vez de la marca de automóviles japonesa Toyota que huye de los estereotipos de usar carreteras verdes, playas preciosas y estampas paradisiacas con carreteras y caminos sin tráfico... para pasar a una exageración cómica más habitual en algunas relaciones de pareja. ¡Espero que os guste y que os saque una pequeña sonrisa!
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/11/2010 02:26 | Comentarios (3)
Llevaba días queriendo realizar este post publicitario sobre Nespresso, pero al ver esta noche el último spot de la marca de cafés más conocida del momento, en la que los protagonistas vuelven a ser George Clooney y John Malkovich, me he apresurado a subíroslo. A mí, particularmente, me ha encantado... sigue la línea pícara y divertida de los anuncios de Nespresso. Aquí os dejo algunos de los anteriores anuncios. Son todos bastante divertidos e ingeniosos, jugando prácticamente en todos ellos con la aparente confusión y los dobles sentidos para crear auténticas maravillas publicitarias. Espero que os guste:
También os recomiendo que veais algunas fotos del rodaje del último spot de estos dos grandes actores. Aprovechar para pedir disculpas por subir los anuncios en inglés y subtitulados en francés, pero ya sabemos todos que a veces es díficil encontrar buen material en castellano, una lástima.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/11/2010 02:15 | Comentarios (3)
El edificio, de una gran majestuosidad y con un aspecto que recuerda al de una catedral, fue construido entre los años 1873 y 1880 por Alfred Waterhouse.
El museo es conocido por su gran salón central donde se muestran esqueletos de diferentes dinosaurios, en particular, un enorme diplocotus que domina la entrada al edificio además de un mastodonte encontrado en la Laguna de Tagua Tagua, Chile.
El museo se inauguró en el año 1881 y sirvió para albergar la cada vez más extensa colección de fósiles, esqueletos y plantas del Museo Británico también en Londres.
Esta es la primera de mis cinco fototrafías, espero que os guste.
Esta es la primera imagen que he elegido para comentar respecto a la publicidad. Buscando por la red he encontrado este anuncio, aunque realmente no tengo muy claro si es un anuncio real o simplemente algo que circula por la red. Creo que este anuncio, mas que esto es una GRAN crítica a la iglesia, aunque no creo que ese sea el tema a tratar en este blog.
Quitando todo el tema religisoso, creo que el tema de la imagen esta realmente bien tratado con esta fotografía. Es un tema crítico y creo que realmente cumple las expectativas que se desean, la imagen se comenta por si misma.
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 02/11/2010 23:45 | Comentarios (5)
¿Es la arquitectura un arte? Desde hace mucho años esta es una pregunta que queda sin resolver, cada uno tiene su opinión… ¿Es arte la arquitectura para mí? Indiscutiblemente, Sí. Con esta fotografía tomada en Mallorca el pasado mes de octubre, observamos como ambas cosas pueden estar unidas, como la arquitectura emerge con un rayo de luz creando una magnífica estampa, digna de alguna pintura al óleo, digna de ser reconocida como ARTE, o arQte, como queráis llamarlo.
Esta es la segunda fotografía de las cinco que tenemos que subir al blog a lo largo del curso.
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 02/11/2010 23:32 | Comentarios (1)
¿Ternura? ¿Tristeza? ¿Amor? Hay decenas de calificativos para esta fotografía. Fue tomada el día de San Patricio de 2009, en Nueva York. Esta fotografía es una de las preferidas de mi colección. Lo cierto es que esta tímida niña pelirroja no paraba de sonreír a la cámara y tuve que hacer una fotografía. Mi sorpresa fue encontrarme con una imagen como esta en la que la niña está despistada, mirando hacia el suelo, quizás pensando que aquel desfile de las fuerzas armadas era un poco aburrido (y en realidad lo era).
Esta es la primera de las 5 fotografías elegidas para subir al blog. He querido empezar por esta ya que es una de mis imágenes preferidas. Soy un buen aficionado a la fotografía y creo que esta captura, es de las mejores que he hecho a lo largo de mi corta y modesta carrera como fotógrafo.
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 02/11/2010 23:28 | Comentarios (1)
El pasado puente de Octubre visité la isla de Mallorca. Allí tuve la oportunidad de visitar uno de los museos más importantes de la isla, la Fundación Pilar y Joan Miró.
entrada al museo
Antes de hablar de este museo, hablaré un poco del artista. La fundación de Pilar y Joan Miró acoge las obras de uno de los artistas más reconocidos del movimiento surrealista. Pintor, escultor, grabador y ceramista, Joan Miró nació el20 de Abril de 1893 en Barcelona. Vivió toda su infancia entre Barcelona y Palma, trasladándose a Paris después de casarse con Pilar Juncosa, en Palma de Mallorca. Éstos pasaron allí toda la etapa de la Guerra Civil española, junto a su hija, Dolors. Durante la Segunda Guerra Mundial, el artista decidió volver a España junto a su mujer y su hija, para vivir unos años en Barcelona y acabar trasladándose a Palma de Mallorca. Es aquí donde fijará su residencia a partir de 1956 hasta el día de su muerte, el25 de Diciembre de 1983.
Pues bien, el pasado 12 de Octubre, visité la Fundación. Esta Fundación fue creada en el año 1981 cuando el artista y su mujer donaron al ayuntamiento de Palma los talleres y su contenido, formado principalmente por pinturas, collages y demás obra gráfica del artista.
cuadros del autor
interior del museo
Este museo situado en Cala Major, se compone de tres espacios diferentes. El primero y más representativo de la obra del autor (desde mi punto de vista) es el edificio diseñado por Josep Lluis Sert, un arquitecto amigo del artista que proyectó un taller, conocido como el Taller Sert. Un espacio para que el pintor tuviera libertad para poder desarrollar la complejidad de sus últimas obras. En segundo lugar, encontramos Son Boter, una pequeña posesión que compró el artista gracias a un premio ganado en 1959, recibido del Museo Guggenheim de Nueva York. Gracias a este premio pudo adquirir esta masía situada al lado de su residencia (Son Abrines). En este lugar encontraremos el espacio que utilizó el autor para realizar muchos de sus grabados, así como el paso del autor, con esto quiero decir que encontraremos diferentes pintadas en las paredes que nos hablan del paso del autor por el lugar. Y por último encontramos el espacio diseñado por el arquitecto español Rafael Moneo entre1987 y 1993. Este espacio servirá para acoger, tal y como querían Pilar y Joan, una exposición permanente del artista, así como espacios para exposiciones más temporales, principalmente dedicadas a los jóvenes artistas.
Mi reflexión sobre el museo:
Sencillamente maravilloso. Así es como describiría la obra de Rafael Moneo en esta ocasión. Describiré mi experiencia como un paseo por el mundo de Miró.
entrada al museo
Atravesamos la entrada, un tanto tímida hacia la fundación Pilar y Joan Miró, al fondo se adivina un cartel que nos avecina la entrada a las exposiciones. Cuando encuentras la puerta, ¿qué más da?, con las maravillosas vistas que nos regala el arquitecto, la entrada pasa a estar en un segundo plano. Desde el acceso a la fundación podremos observar la costa de Palma, una vista, sinceramente hermosa, que queda aderezada con una maravillosa cubierta inundada en la que sobresalen dos lucernarios, que pasan a ser una obra de arte más . Nos adentramos en el museo, pagamos la entrada, y bajamos unas escaleras sorprendentemente pequeñas, que nos llevan a la obligada tienda de regalos, pasado este mero trámite, entramos en la exposición permanente (que me dedicaré a contaros con más profundidad otro día, hoy nos centraremos en lo meramente arquitectónico de la cuestión). Y aquí, aquí llega el mayor regalo a la vista del arquitecto, una enorme sala en forma de estrella que nos conducirá casi sin darnos cuenta por la exposición. Admiro ahora a este arquitecto por la manera en la que casi sin darte cuenta te guía por todo el museo, sin perder nunca las visuales entre unas salas y otras, sinceramente, un espectáculo para la vista. Las ventanas bajas de las salas dejan ver unas láminas de agua que se entrecortan de tanto en tanto con un verde muy vivo, todo ello, perteneciente al inmenso jardín que adorna este edificio, pero, que no es tan solo un simple adorno, sino que además, es todo un museo escultórico al aire libre (y no solo me refiero a las magnificas obras del artista, sino también a la obra de otro artista, Rafael Moneo).
entrada al taller
Cuando acabamos de visitar esta parte de la fundación y atravesando un magnífico caminito con unas preciosas vistas al mar, llegaremos al Taller Sert. Colores, esta es la mejor palabra para definirlo, alegre, simpático y, un tanto pequeño (pero matón, puesto que el amplio espacio interior enseguida quitará las dudas de si ahí dentro cabe un taller para un artista como este). Decenas de cuadros con sus respectivos caballetes adornan ahora este espacio en el que es inevitable imaginarte a Miró trabajando, algo con una cierto misticismo, fantástico.
Son Boter
interior Son Boter
Para acabar con la visita a la fundación, llegaremos a Son Boter, una masía que, es una obra de arte en sí misma. Recubierta con unas tiras de pimientos secos que llegan desde lo más alto de la fachada principal hasta el suelo, esta casa esconde, seguro, miles de historias del artista y su familia. Lo que ha llegado a nosotros, algunos garabatos que Miró realizó en las paredes, algo asombroso.
Y con el descenso de vuelta al coche, con Palma de fondo, aquí concluye la visita a este museo.
exterior del museo
blackmower
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 02/11/2010 23:20 | Comentarios (2)
Los videoclips pueden ser considerados como si fuera un anuncio del grupo o cantante, pero también pueden llegar a ser arte. Suele estar relacionado con el cine. Sin embargo, no es necesario que nos presente a unos personajes y que cuente una historia para que sea arte. Lo verdaderamente importante es trasmitir.
Rihanna dejó atrás las tonalidades grises que predominaban en sus videos para explorar su lado más pop en ‘Rude boy'. Inspirada en el famoso artista y creador del pop art, Andy Warhol, Rihanna presenta un videoclip lleno de colores amarillos, rojos, verdes y morados que recuerdan el estilo jamaiquino. La cantante aparece serigrafiada en distintos colores primarios y fosforescentes.
Yannik Puig, es un artista digital francés autor de este surrealista videoclip animado creado para la bandaKwoon. Está inspirado en el arte tibetano (principalmente por los colores) y en artistas comoTim BurtonyHayao Miyazaki, la pieza ganó el año pasado el premio a la mejor película en Webcuts, el Festival de Cine de Berlín, y quedó en segundo lugar en ArtFutura.
También franceses son Lauren Gillot y Aurélia Verhnes son los creadores del videoclip "Dorian" para el grupo Sna Fu. Es una mezcla de rotoscopia (que consiste en redibujar imagen real en movimiento para convertirla en animación) y 3D.
La gala de la Royal Variety Performance en Blackpool, Inglaterra, reunió a un gran número de artistas convocados por la reina Isabel, entre ellos la prestigiosa artista Lady Gaga, que se presentó con un traje rojo de látex y que tocó “Speechless” en un piano inspirado por el artista surrealista español Salvador Dalí.
“El elefante es una distorsión en el espacio”, explica Dalí,“con sus aguzadas patas contrastado la idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente”.
Tate Modern es el nombre con el que se conoce el Museo Británico de Arte Moderno situado en la ciudad de Londres. A orillas del ‘Thames River’ y frente al Millenium Bridge (una pasarela peatonal del año 2000 bastante desagradable a mi parecer) se sitúa este edificio luciendo la típica caravista marrón londinense y un lucernario en su parte superior que se ilumina por las noches. Hasta el año 1981 fue una central eléctrica (de ahí su aspecto industrial) y fue en el año 2000 cuando los arquitectos suizos Herzog & de Meuron en concurso con otros grandes como el español Rafael Moneo, el japonés Tadao Ando o el italiano Renzo Piano fueron los encargados de convertirla en museo.
El pasado puente del 12 de Octubre tuve el placer de viajar a Londres con mi familia y unos amigos y cómo no, de hacer la visita casi obligada al Tate Modern. Me llamó mucho la atención la fiel conservación de la fachada industrial del edificio a la que, como ya he dicho antes, solo se le ha añadido un lucernario en la parte superior. Pero lo mejor estaba por llegar, una vez decides entrar dentro y atraviesas el acceso (de unos 3 metros de altura) ¡ZAS! Entras a una enorme sala de al menos 20 metros de altura y de unas dimensiones espectaculares. La descompresión del espacio es ¡INCREÍBLE! ( subrayado, en mayúsculas, negrita y signos de exclamación), me encantó. Sin duda la sala de turbinas, que así se llama, es una de las estancias más impresionantes que he visto en mi vida. La espectacularidad del tamaño, la modernidad, la sencillez, la línea recta y sobre todo la introducción de luz natural a través de los lucernarios no tienen nada que envidiar a las obras de arte que guarda dentro (lo que confirma la idea de que la arquitectura es el arte que alberga otras artes). La sala de turbinas distribuye en su lateral el resto de salas del museo.
La galería cuenta con una exposición permanente y otra temporal. A la exposición permanente se puede acceder de manera gratuita y es una auténtica maravilla: Picasso, Miró, Andy Warhol… Y no podríamos haber tenido más suerte de encontrar la primera exposición de Gauguin en Londres después de más de 50 años y cuyo precio era de 12 libras (algo más de 14 euros) aunque de ambas exposiciones y de mi viaje a Londres (ciudad que nunca dejaré de recomendar) ya os hablaré más adelante. Pero todavía no había terminado, como guinda del pastel y de aquella soleada tarde en la ciudad el mirador de la cuarta planta, justo al lado de la cafetería, nos regaló este precioso atardecer londinense con el Támesis y St. Paul en primer plano. Si tenéis la oportunidad de viajar a Londres no dudéis en visitar este genial museo, os lo recomiendo.
Desde hace unas semanas el olor a buena comida y a buen vino se pasea por las calles del centro de Albacete. ¿Por qué? Un nuevo concepto de lo más 'in' de tapería durante el día, restaurante durante la noche y bar de copas para los cuerpos que busquen la mejor "vidilla" a altas horas de la madrugada ha abierto sus puertas en una de las calles más emblemáticas de la ciudad. Mi gran amiga Clara Lozano, fotógrafa, diseñadora y, a mi parecer, una visionista nata del arte en general ha sido la encargada del interiorismo del local.
Una tarde de este verano me comentó que había tenido una idea para los servicios de la tapería. La propuesta que quería hacer a los dueños del local era hacer una serie de fotografías con el torso desnudo y a contraluz representando acciones específicas que se realizan en un restaurante y en sus servicios, como beber vino o retocarse el maquillaje, y colocarlas en la puerta de los baños para distinguir el de señoras y el de caballeros. El resultado ha gustado mucho y de hecho las fotos están en varios blogs por ahí colgadas. He agrupado las fotos para que podáis verlas mejor aunque pierden mucha calidad al subirlas al blog así que tendréis que venir a verlas en persona. Los modelos somos Clara y yo, espero que os gusten y que dejéis vuestra opinión. Todavía no he tenido el gusto de ir a cenar y ver el local y tengo unas ganas horrorosas de hacerlo, ya os comentaré cómo ha quedado.
Este puente he tenido la oportunidad de ir al Museo Van Gogh de Amsterdam y la verdad es que es impresionante. Es el museo con mas obras de Vincent van Gogh del mundo, con más de 200 cuadros, entre ellos los más famosos que todos conocemos. También pude observar obras de otros grandes artistas como: Paul Gauguin (gran amigo del pintor), Monet, Pissarro, Monticelli...
Quiero hacer un breve recorrido por las obras que más me gustaron y que nos permitirán hacernos una idea de la evolución de este gran artista incomprendido en su época y laureado en la actualidad. Tras la muerte de Van Gogh, muchos se sintieron fascinados por su obra, pero sobre todo por su dramática vida: su desdichada vida sentimental, su falta de reconocimiento, su enfermedad y su posterior suicidio.
En 1885 pintó "Los comedores de patatas". Un cuadro de sus inicios, oscuro, sin colores llamativos. En él se pueden observar 5 trabajadores de la tierra cansados tras un agotador día de trabajo con las manos aún sucias, con la mirada perdida y sentados en torno una mesa. Cosas que me gustaron de este cuadro, pues por ejemplo el humo que desprenden las patatas calientes, la luz que produce el candil sobre los rostros de los personajes y la gran expresividad de las figuras.
¿Quién no conoce este cuadro? Los famosos girasoles, aunque no fueron los únicos que pintó, ya que a lo largo de su vida pintó docenas de cuadros con motivos vegetales. En este cuadro de 1889 se observa el juego con los amarillos, se ven claramente las pinceladas y una gran vitalidad que recibió por parte de los pintores parisinos de Montmartre. La firma del autor está escrita en azul sobre el jarrón y se aprecian remarcados con claridad los contornos.
Con "El dormitorio" de 1888, comentarios similares al cuadro de los girasoles. Uso de colores llamativos, contornos marcados, vitalidad en las formas, sensación de movilidad y deformación, debido quizás a alguno de los muchos problemas que tenía.
Los dos cuadros anteriores fueron pintados en París, pero más tarde se trasladó a otras ciudad del sur de Francia en busca del calor y la tranquilidad. Allí fue con su amigo Paúl Gauguin con la idea de crear una escuela de artistas, el fracaso de su proyecto y su separación de él le produjo una tragedia personal insuperable. En el cuadro de Gauguin de abajo está representado Van Gogh en el momento en que éste pintaba "Los Girasoles".
"El campo de trigo con segador" es un cuadro que pinta en 1889 ya en el sur de Francia. En esta época los problemas mentales se agudizan e ingresa en una clínica psiquiátrica, pero pese a ello sigue trabajando con aquellas cosas que ve: jardines, pasillos, habitaciones y las vistas desde su habitación. Pues este campo de trigo de tonos amarillos es un ejemplo de su base impresionista y de esta etapa de decadencia. Este cuadro me gustó mucho personalmente.
Por último no quería dejar de lado los famosos retratos que se hacía a sí mismo Van Gogh. ¿Por qué autorretratos? Hay muchas teorías, pero la que más fuerza tiene es la de que como no tenía dinero para pagar a modelos se pintaba a sí mismo. Son cuadros con mucha fuerza expresiva donde por ejemplo en este retrato, destaca la barba naranja y la chaqueta azul fuerte, justamente dos colores que se encuentran en el círculo cromático enfrentados, motivo por el que destacan aún más. También se puede ver a un hombre débil, gris... justamente hablamos de que se observa la muerte inminente del artista por medio de sus retratos.
Bueno, aquí acaba mi análisis de la obra de Vincent van Gogh, sin olvidar que también realizó pinturas con toques orientales, ya que una importante fuente de inspiración fueron las estampas japonesas grabadas en madera, que el mismo artista coleccionaba. Espero que podáis ver algún día el museo porque de verdad que es muy interesante, y si eso no es posible, ojala mi post os ayude a traeros un trocito de Van Gogh a vuestras vidas.
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 13/10/2010 22:04 | Comentarios (3)
Continuando con el tema del arte relacionado con la publicidad, es importante destacar una de las obras de arte más conocidas de todos los tiempos, “La Última Cena” de Leonardo da Vinci, que ha sido, por tanto, utilizada en numerosas ocasiones, bien sea para promocionar una serie (Perdidos, Los Simpsons), una película (Star Wars), una cadena de radio (Europa FM), una empresa de dibujos animados(The Walt Disney Company, Warner Bros Pictures), una tienda de moda (Marithé François Girbáud) o una cadena de comida rápida (Mc Donald’s), respectivamente.
Sí, así es... como bien sabeis el gran creador de historias Mario Vargas Llosa fue galardonado ayer con el Premio Nobel de Literatura en Suecia. El máximo premio al que se puede optar a nível internacional, pero más allá de la aportación económica, que la hay, es un sentimiento de autorrealización infinita que pocos podrán disfrutar.
Todos hemos leído obras de este cronista de la lucha del pueblo contra las autoridades, todos nos hemos emocionado con sus relatos tan verídicos, que sólo se podrían conseguir con esa riqueza verbal y esos matices que sólo él sabe utilizar. Para aquellos que no hayan podido todavía dejarse encantar por sus letras, les animo a que lo hagan; les animo a que dejen por un momento su situación privilegiada y se trasladen a un escenario dificil donde los derechos de las personas son muy limitados por seres autoritarios; si consiguen despegarse de la televisión por unas horas e introducirse en las cientos de hojas de sus escritos, habrá valido la pena comenzar su libro.
Hoy, se habla en todo el mundo una única lengua, la lengua de Cervantes, la lengua que hablan millones de personas y que no siempre está muy bien apreciada. Gracias a este nuevo NOBEL de la Literatura, se da un golpe en la mesa para demostrar que en castellano tambíen se pueden realizar verdaderas obras de arte.
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/10/2010 21:38 | Comentarios (2)
Pueden haber opiniones a favor y en contra en cuanto la consideración del Graffiti como un arte. Pero primero que nada habría que distinguir entre gamberradas hechas con aerosoles para proclamar el amor hacia una persona, dedicar horribles insultos a un amigo o enemigo, o simplemente incordiar; y por otra parte, el llamado arte urbano. Sí, yo lo considero un arte, pues utilizan como lienzo los ladrillos de edificios abandonados e incluso de estructuras llenas de vitalidad, aportándoles ese toque especial.
Es un tipo de arte efímero, que no durará eternamente, ni será laureado como el realizado por un "pintor" en una tela, pero probablemente al contemplar estas maravillas críticas con la política, los ideales, los estereotipos, los miedos, la moralidad... uno no quede indiferente. Por ello he decidido escribir sobre uno de los creadores de arte urbano más importante que tenemos: Banksy. Obviamente éste es su pseudónimo, ya que de él sólo sabemos por sus obras de arte... quizás sea más que suficiente.
Aquí os dejo algunos ejemplos. ¿Seguís pensando que el arte sólo está en los museos?
Salvadoporlacampana
Escrito por estanochesenosocurriraalgo el 08/10/2010 21:19 | Comentarios (3)
Una de las muchas campañas publicitarias de Volkswagen realiza un homenaje a dos grandes artistas como son Salvador Dalí y René Magritte, utilizando de esta manera el surrealismo de sus obras para anunciar un coche, en concreto el Golf 5.5.
Yo, particularmente, no le veo sentido alguno a esta campaña, sin embargo puede ser que por eso mismo hayan utilizado el surrealismo como estrategia de marketing.
Debo añadir sin embargo, que los carteles llaman la atención del espectador, y al final es eso lo único que cuenta.
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